VENERDÌ 27 GENNAIO ORE 20.00

RIDOTTO DEL TEATRO GRANDE

ENSEMBLE DEL TEATRO GRANDE

LA MEMORIA DELLA MUSICA

Evento realizzato in collaborazione con Casa della Memoria

L’Ensemble del Teatro Grande affronta, in un concerto intenso e musicalmente emozionante, il tema del Giorno della Memoria, scandagliando la cultura musicale ebraica del passato e del presente.

PROGRAMMA

Gideon Klein Trio per archi

Max Bruch Kol Nidrei op.47, per violoncello e pianoforte

aa.vv. Suite Klezmer, per clarinetto, violino e pianoforte

Ernest Bloch Nigun, per violino e pianoforte

Sergej Prokof’ev Ouverture su temi ebraici, per clarinetto, pianoforte e quartetto d’archi

ENSEMBLE DEL TEATRO GRANDE

Anton Dressler clarinetto

Marco Mandolini violino

Daniele Richiedei violino

Joël Imperial viola

Camilla Patria violoncello

Andrea Rebaudengo pianoforte

ENSEMBLE DEL TEATRO GRANDE

L’Ensemble del Teatro Grande è la formazione musicale residente della Fondazione del Teatro Grande. Il gruppo, nato nel 2012, si declina in differenti formazioni per esplorare il repertorio cameristico, affrontando affascinanti viaggi musicali che di volta in volta si concentrano su differenti temi: omaggi a compositori che hanno fatto la storia della musica, selezioni musicali per aree geografiche, programmi che mettono in luce un particolare strumento. I concerti dell’Ensemble si distinguono per le ricercate esecuzioni che spaziano dai capolavori della musica alle nuove composizioni contemporanee. L’organico dell’Ensemble si completa in alcune occasioni con la partecipazione di musicisti illustri o di giovani talenti del panorama nazionale e internazionale.

VENERDÌ 3 FEBBRAIO ORE 20.00

SALA GRANDE

ORCHESTRA TEATRO LA FENICE

SPERANZA SCAPPUCCI DIRETTRICE

PROGRAMMA

Giuseppe Verdi Ouverture da I vespri siciliani

Ludwig van Beethoven Sinfonia n. 3 in mi bemolle maggiore op. 55 Eroica

Simonide Braconi Il canto del silenzio per viola e archi (Simonide Braconi, viola solista)

SPERANZA SCAPPUCCI

Riconosciuta dalla stampa italiana e internazionale come uno dei direttori più interessanti della sua generazione, è diplomata alla Julliard School di New York e al Conservatorio di Musica Santa Cecilia di Roma. È la prima donna italiana in assoluto a salire sul podio del Teatro alla Scala di Milano, con una nuova produzione de I Capuleti e i Montecchi. Debutta anche alla Staatsoper unter den Linden di Berlino, alla Royal Opera House di Londra, all´Opera de Paris e alla Metropolitan Opera di New York. Nel 2022 dirige all´Opera di Toronto e all’Opéra Royale de Wallonie Liège. Nel repertorio sinfonico dirige concerti con l´Orchestre de chambre de Paris, The Julliard Orchestra a New York, l´Orchestra Nazionale di Lione, l’Orchestra del Teatro Carlo Felice di Genova nonché la Royal Philharmonic Orchestra di Stoccolma, e molte altre. Recentemente dirige La Traviata al Teatro del Liceu di Barcellona, Lucia di Lammermoor all´Opernhaus di Zurigo e al New National Theater di Tokio, La Bohème all’Opernhaus di Zurigo e alla Semperoper di Dresda. Alla Wiener Staatsoper dirige L’elisir d’amore, La Bohème e la Cenerentola. Inoltre, debutta con Il turco in Italia al Rossini Opera Festival di Pesaro, La Bohème alla Los Angeles Opera, La Cenerentola alla Washington Opera e al Teatro Regio di Torino, Attila al Teatro Mariinsky di San Pietroburgo. La sua discografia include il CD Mozart Arias con il soprano Marina Rebeka e la Royal Liverpool Philharmonic Orchestra (Warner Classic) e Il mio canto con il tenore Saimir Pirgu con l’Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino (Opus Arte). Nel 2019 esce il suo ultimo CD per Deutsche Grammophon con il contrabbassista ungherese Ödön Rácz e la Franz Liszt Chamber Orchestra.

ORCHESTRA DEL TEATRO LA FENICE

La storia dell’Orchestra del Teatro La Fenice è legata a quella del Teatro stesso. Nella seconda parte del secolo scorso l’impegno dei complessi orchestrali si concentra nell’internazionalizzazione del repertorio, ampliato anche sul fronte sinfonico-concertistico. Nel corso dell’Otto e Novecento, sul podio dell’Orchestra si susseguono celebri direttori e compositori. Nel 1938 il Teatro La Fenice diviene Ente Autonomo: anche l’Orchestra vede un riassetto e un rilancio, grazie anche all’attiva partecipazione al Festival di musica contemporanea della Biennale d’Arte. Negli anni Quaranta e Cinquanta sotto la guida di Scherchen, Bernstein, Celibidache (impegnato nell’integrale delle sinfonie beethoveniane), Konwitschny (nell’integrale del Ring wagneriano) e Stravinskij, la formazione veneziana dà vita a concerti di portata storica. Negli anni, si susseguono sul podio veneziano i più celebri direttori d’orchestra, tra i quali ricordiamo ancora: Bruno Maderna, Herbert von Karajan, Karl Böhm, Claudio Abbado, Riccardo Muti, Georges Prêtre, Eliahu Inbal, Seiji Ozawa, Lorin Maazel, Riccardo Chailly, Myung-Whun Chung. Notevole la proposta di opere contemporanee negli anni Cinquanta e di opere contemporanee recentemente. In ambito sinfonico l’Orchestra si cimenta in vasti cicli, tra cui quelli dedicati a Berg, Mahler e Beethoven. Formazione che si pone fra le più interessanti realtà del panorama italiano, l’Orchestra del Teatro La Fenice svolge regolarmente tournée in Italia e all’estero, riscuotendo calorosi consensi di pubblico e critica. Tra i direttori principali dell’Orchestra negli ultimi anni si sono alternati Eliahu Inbal, Vjekoslav Sutej, Isaac Karabtchevsky, Diego Matheuz dal 2011 al 2014; tra i principali direttori ospiti ricordiamo Sir Jeffrey Tate. Dal 2002 al 2004 il direttore musicale è Marcello Viotti, dal 2007 al 2009 gli succede Eliahu Inbal.

GIOVEDÌ 9 FEBBRAIO ORE 20.00

SALA PALCOSCENICO BORSONI

STEFANIA TANSINI

MY BODY TRIO

Che cosa facciamo? Come stiamo? Che cosa ce ne facciamo di questa vita, in questo corpo, in questa situazione?

Dopo la coreografia My Body solo, Stefania Tansini ancora una volta si sofferma su alcune questioni esistenziali andando a completare con My Body trio un percorso legato alla composizione umana, alla ricerca della verità intima tra tre esseri umani. I movimenti dei tre danzatori ricamano incessantemente lo spazio in una tensione duplice: da un lato mantenere intatta la dimensione comunitaria, dall’altro tenere salda la propria autonomia e libertà individuale. Due prospettive complementari, due modalità di essere, di stare, di fare che creano un continuo desiderio di incontro.

Progetto, coreografia Stefania Tansini

DanzaBarbara Carulli, Filippo Porro, Stefania Tansini

Luci Matteo Crespi

CoproduzioneRomaeuropa Festival, Fondazione Teatro Grande di Brescia, Nanou Associazione Culturale

Con il sostegno diFondazione Nazionale della Danza/Aterballetto, Bando Toscana Terra Accogliente promosso da RAT Residenze Artistiche della Toscana (Anghiari Dance Hub, Con.Cor.D.A. Sosta Palmizi), in collaborazione con Teatro Metastasio di Prato, Fondazione Toscana Spettacolo e Centro di Produzione della Danza Virgilio Sieni, Teatro Petrella di Longiano, Masque Teatro

Foto e videoLuca Del Pia

Artista sostenuta dalla Fondazione Teatro Grande di Brescia

STEFANIA TANSINI

Diplomata all’Accademia Paolo Grassi, ha lavorato come danzatrice per Romeo Castellucci, Cindy Van Acker, Simona Bertozzi, Luca Veggetti, Enzo Cosimi, Ariella Vidach. Attualmente collabora come danzatrice per Motus nel solo Of the nightingale i envy the fate e Tutto Brucia. Intraprende un percorso autoriale di ricerca sul corpo che porta avanti attraverso progetti coreografici come My Body trio (progetto vincitore del bando Toscana Terra Accogliente 2020), My Body solo (progetto vincitore del bando DNA 2020), Punti di ristoro (2020), La grazia del terribile (premio Rete e Critica 2020), Questione di vita o di morte (2018), Linea Umana (2017). Realizza insieme al fotografo Luca Del Pia il progetto video-installativo Stupid Girls e Due Madri, con il compositore Paolo Aralla e Guido Barbieri Dove finisce il volo, con Paolo Aralla la performance per spazi casalinghi Interno Notte e Utera con Secret Theatre Ensamble e Tempo Reale, spettacolo con sensori biodinamici.

GIOVEDÌ 17 FEBBRAIO ORE 19.00 e ORE 21.00

SALONE DELLE SCENOGRAFIE

NICOLA GALLI E SATURNINO

ZELIG

Il gesto e la musica creano uno spazio di improvvisazione e condivisione in cui i due artisti dialogano alla ricerca di punti di contatto e di fuga. Le sonorità di Saturnino, compositore e bassista tra i più acclamati della sua generazione, e il movimento di Nicola Galli, giovane e pluripremiato coreografo italiano, disegnano una partitura coreografica e sonora di grande intensità.

Coreografia e interpretazione Nicola Galli

Musiche Saturnino

NICOLA GALLI

Nicola Galli si occupa di ricerca corporea, declinata in azioni e dispositivi che spaziano dalla coreografia alla performance, dall'installazione all'ideazione grafico-visiva. Dal 2010 sviluppa un’indagine coreografica che analizza il concetto di forma pura e le nozioni di "stratificazione" e "paesaggio". A partire dalla geometria e dall'astronomia, il suo sguardo è affascinato dall'anatomia umana, la proporzione e il dettaglio, elementi chiave che compongono un orizzonte scenico trasversale. Nel suo lavoro, il corpo diviene il centro irradiante di un discorso artistico che si sostanzia in una sensibilità scenica votata all'esplorazione del movimento come panorama ibrido di saperi. Dal 2014 è artista sostenuto da TIR Danza. Nel 2018 vince il "Premio Equilibrio" - Fondazione Musica per Roma con lo spettacolo Deserto digitale e il premio "Danza & Danza" come miglior coreografo emergente con lo spettacolo De rerum natura. Nel 2019 vince il premio nazionale "Sfera d'Oro per la danza". Le sue creazioni sono state presentate in Egitto, Francia, Germania, Italia, Olanda, Perù, Svizzera e tramite livestreaming in Corea del Sud. Ha inoltre collaborato con importanti Istituzioni internazionali: Istituto Italiano di Cultura (Paris), Balletto di Toscana (Firenze), Museo MUSE (Trento), Scuola Normale Superiore (Pisa), Fondazione Perugia Musica Classica (Perugia), Institute of the Arts (Seoul), Università IUAV (Venezia).

SATURNINO

Saturnino è considerato dalla critica più accreditata uno dei migliori bassisti sulla scena internazionale. Autore di culto e popolare allo stesso tempo, esordisce discograficamente come solista nel 1995 con Testa di basso, in cui è autore di tutti i brani e si avvicenda al basso, alla batteria e alla chitarra. L’album riscuote notevoli consensi di critica e pubblico e la Verve, prestigiosa etichetta americana, lo include, unico artista italiano, nel suo catalogo. Gli altri suoi cd come solista sono: Zelig (1996), il live SaTOURnino (1997), Clima (2000) e Satelliti (2021). Strumentista versatile capace di affrontare qualunque stile, nei suoi album si fondono strategicamente influenze che gli derivano da una cultura segnata dagli studi di musica classica (inizia a studiare violino all’età di cinque anni) e dalla passione per il funky, il jazz, il rock e l’hip hop. La sua collaborazione come bassista e coautore con Lorenzo Jovanotti data 1991. Con Jovanotti egli inciderà ben otto album, tra cui un doppio live. Tra i due s’instaura una forte sinergia che porterà alla realizzazione di brani di successo tra i quali L’ombelico del mondo, Io No, Penso Positivo, Salvami. È inoltre il basso di Saturnino a costituire la potente base ritmica di Il mio nome è mai più, brano inciso da Pierò Pelù, Jovanotti e Ligabue nel 1999 a sostegno di Emergency e che, con le oltre seicentomila copie vendute, rappresenta in Italia uno dei singoli di maggior successo musicale dell’ultimo decennio.

LUNEDÌ 20 FEBBRAIO ORE 20.00

LUNEDÌ 27 FEBBRAIO ORE 20.00

RIDOTTO DEL TEATRO GRANDE

FULVIO LUCIANI VIOLINO

Johann Sebastian Bach: Sonate e Partite per violino solo

Le Sonate e Partite di Johann Sebastian Bach sono, per i violinisti, un libro di magia. Sono uno di quei libri che accompagnano l’intera vita di un violinista, fin dal tempo della formazione. Fulvio Luciani, uno dei più interessanti violinisti del panorama musicale italiano, affronta questi sei pezzi per violino solo in due concerti che metteranno in luce le particolari abilità tecniche richieste da Bach per la loro esecuzione.

PROGRAMMA 20 FEBBRAIO ORE 20.00

Johann Sebastian Bach Le tre Sonate per violino solo

Sonata I in sol minore BWV 1001

Sonata II in la minore BWV 1003

Sonata III in do maggiore BWV 1005

PROGRAMMA 27 FEBBRAIO ORE 20.00

Johann Sebastian Bach Le tre Partite per violino solo

Partita I in si minore BWV 1002

Partita II in re minore BWV 1004

Partita III in mi maggiore BWV 1006

FULVIO LUCIANI

Allievo di Paolo Borciani, Franco Gulli e Norbert Brainin, è fondatore e primo violino del Quartetto Borciani con cui tiene concerti e corsi in Europa e negli Stati Uniti, realizza dischi e registrazioni radiotelevisive, commissiona ed esegue opere nuove. Oltre all’attività con il Quartetto, da sempre segue un personale percorso di ricerca come esecutore e didatta, e ama scrivere di ciò che suona. “He has the technique to handle all of the music’s demands” (American Record Guide). È protagonista della riscoperta di Camillo Sivori, celebre virtuoso dell’Ottocento e unico allievo di Paganini. Suona in duo con Massimiliano Motterle dal 2008 e si esibisce in tutta Europa, negli Stati Uniti e in Iran, ospite di istituzioni quali il Teatro alla Scala, il Teatro di San Carlo, il Teatro Regio di Torino, la Società del Quartetto di Milano, l’Accademia Filarmonica Romana, MiTo. Collabora inoltre con Siegfried Palm, Hatto Beyerle, Bruno Canino, Antonio Ballista, Paolo Bordoni, Enrico Dindo, Guido Ajmone-Marsan, Toby Hoffmann e Riccardo Zadra. Con il pianista ed editore Luigi Spagnol costituisce il DuoBibo. Vince il Premio Internazionale del Disco Antonio Vivaldi della Fondazione Giorgio Cini. Insegna al Conservatorio di Milano e nel 2013 crea Officine Luciani, libera scuola di violino e musica da camera. Ha appena pubblicato presso Casa Ricordi una nuova revisione critica della Sonate e Partite di Johann Sebastian Bach. Tra gli impegni futuri, l’esecuzione con l’Orchestra Sinfonica di Milano del Concerto per violino “Dialoghi con il respiro” che Gabriele Manca ha scritto per lui.

VENERDÌ 3 MARZO ORE 20.00

SALA GRANDE

ISRAEL GALVÁN

LA CONSAGRACIÓN DE LA PRIMAVERA

Israel Galván si è formato nel flamenco classico fin dalla giovane età ed è oggi uno dei danzatori e coreografi più conosciuti al mondo. Seguendo le orme delle celeberrime esibizioni di Vaslav Nijinski, Galván sovverte e ricostruisce la tradizione, intrecciando questa volta il flamenco con l'imponente capolavoro La Sagra della Primavera di Igor Stravinsky e con altri due brani della tradizione classica, la Sonata K87 di Domenico Scarlatti e Out of Doors di Béla Bartók, per concludersi con una Sevillana della città andalusa in cui Galván è nato. Accompagnato sul palco dai pianisti Andrea Rebaudengo e Valentina Massa, Galván usa il suo corpo come una cassa armonica, consumandosi nella partitura di Stravinsky, dove il ritmo è la forza motrice.

Ideazione e Coreografia Israel Galván

Con Israel Galván (danza)

Andrea Rebaudengo e Valentina Messa (pianoforte)

Musica

Le Sacre du Printemps di Igor Stravinsky, nella riduzione per pianoforte a quattro mani, realizzata dal compositore

Sonata K87 di Domenico Scarlatti

Out of Doors di Bela Bartok

Sevillana del siglo XVIII (canzone tradizionale spagnola)

Costumi Micol Notarianni

Direzione tecnica e Suono Pedro León

Luci Ruben Camacho

Direzione di scena Balbi Parra

Management Rosario Gallardo

Distribuzione Rial&Eshelman

Produzione IGalván Company

Coproduzione Théâtre de la Ville – Paris, Sadler’s Wells – London, Mû-Lausanne, Théâtre de Nîmes, Scène conventionnée d’intérêt national, Teatro della Pergola – Fondazione Teatro della Toscana – Florence, MA scène nationale – Pays de Montbéliard, Théâtre de Vidy-Lausanne

Con il supporto di INAEM-Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, La Loterie Romande, Pro Helvetia, Fondation suisse pour la culture du Canton de Vaud, Fondation Leenaards,Flamenco Biënnale Nederland

ISRAEL GALVAN

Nato a Siviglia da duedanzatori di flamenco, fin dalla sua prima creazione ¡Mira! / Los zapatos Rojos (1998) fa suo un nuovo spirito del flamenco. Si discosta dalla tradizione attraverso la ricodifica del linguaggio del flamenco, esplorando e appropriandosi di aspetti performativi di altre espressioni della cultura popolare, dalla corrida al calcio, dall'attivismo al cross-dressing. Ogni sua creazione si rivela un passaggio fondamentale dell’esplorazione di un tipo di danza che cerca di affrancarsi da caratteristiche ereditate da un flamenco cristallizzato e che si concentra piuttosto sugli aspetti vivi della danza. A Israel Galván sono stati attribuiti premi prestigiosi come il Premio Nacional de Danza, il New York Bessie Performance Award, il National Dance Award for Exceptional Artistry. Nel 2016 è nominato Officier dans l'Ordre des Arts et des Lettres in Francia. A lui è dedicato un ritratto nella docuserie sulla danza, Move, prodotta da Netflix. È artista associato al Théâtre de la Ville di Parigi. Tra le sue produzioni si annoverano La Metamorfosis (2000), Arena (2004), La Edad de oro (2005), El Final de este estado de cosas (2008), La Curva (2010), Lo Real/Le Réel/The Real (2012), FLA.CO.MEN (2013), Torobaka,con Akram Khan (2015), La Fiesta (2017), Coplas Mecánicas (2018), Gatomaquia (2018), Israel & イスラエル(Israel) (2019), El Amor Brujo (2019), La Consagración de la Primavera (2019), Mellizo Doble (2020), Maestro de Barra (2021), Seises (2022), RI TE con Marlene Monteiro Freitas (2022).

VALENTINA MESSA

Si diploma nel 1999 al Conservatorio di Venezia e nel 2007 consegue il Diploma accademico di II livello presso il Conservatorio di Genova. Vincitrice di varie borse di studio e premiata in numerosi concorsi nazionali e internazionali, tiene concerti dall’età di tredici anni in sale e per società concertistiche quali: Normale di Pisa, Società Umanitaria di Milano, Teatro Carlo Felice e Auditorium Casa Paganini di Genova, Sala della Radio Vaticana, Teatro Alfieri e Teatro Vittoria a Torino, Accademia Chigiana di Pisa, GOG Genova, Schleswig Holstein Music Festival, Caplan Centre for the Performing Arts di Philadelphia, Logan Centre for the Performing Arts di Chicago, Sanders Theatre della Harvard University a Boston e suona come solista con l’Orchestra di Padova e del Veneto, la Filarmonica di Udine, l’Orchestra Classica Belvedere e la Philarmonische Orchester der Stadt Trier. Svolge intensa attività cameristica in varie formazioni ed è membro stabile di Eutopia Ensemble, gruppo dedito alla musica d’oggi, ed è membro del comitato artistico del Festival Le Strade del Suono; suona con artisti quali Lorenza Borrani, Massimiliano Damerini, Riccardo Agosti, Ermir Abeshi, Andrea Rebaudengo, Mohamed Ben Omar, Riccardo Crocilla, Anton Berovsky, Adrian Pinzaru, Dami Kim, Katsumi Nagaoka, Maria Milstein, in Mo Young, Albrecht Menzel, Kevin Zhu, con l'Ensemble Nuove Musiche, MDI Ensemble e collabora frequentemente con Sentieri Selvaggi, ensemble diretto da Carlo Boccadoro. Attualmente è docente di pianoforte principale presso il Conservatorio Ghedini di Cuneo.

ANDREA REBAUDENGO

Nato a Pesaro nel 1972, studia pianoforte con Paolo Bordoni, Lazar Berman, Alexander Lonquich, Andrzej Jasinsky e composizione con Danilo Lorenzini. Vince il primo premio al Concorso Pianistico Internazionale di Pescara nel 1998, il terzo premio al Concorso “Robert Schumann” di Zwickau nel 2000 e al Premio Venezia 1993. Suona per le più importanti istituzioni concertistiche italiane, tra cui il Teatro alla Scala di Milano, l’Unione Musicale di Torino, il Festival di Ravello, l’Accademia di Santa Cecilia di Roma, Musica Insieme di Bologna, il Ravenna Festival. Si esibisce in tutta Europa, Stati Uniti, Canada, Colombia, Argentina, Uzbekistan ed Emirati Arabi. Suona come solista con numerose orchestre, tra cui l’Orchestra Sinfonica della Rai, l’Orchestra dei Pomeriggi Musicali di Milano, l’Orchestra Sinfonica di Zwickau e l’Orchestra Sinfonica “Giuseppe Verdi” di Milano. È il pianista dell’ensemble Sentieri Selvaggi con il quale si è esibito nei principali festival italiani ed europei, presentando spesso prime esecuzioni di autori quali Louis Andriessen, Michael Nyman, David Lang, James MacMillan, Mark-Anthony Turnage, Julia Wolfe, Luca Francesconi, Ivan Fedele, Fabio Vacchi. Suona in duo con Danusha Waskiewicz, con Cristina Zavalloni, con Simone Beneventi, in duo pianistico con Emanuele Arciuli. È il pianista di “Solo Goldberg Improvisation” nel progetto di Virgilio Sieni. Insegna al Conservatorio di Milano e tiene un seminario al Conservatorio di Lugano. È il coordinatore artistico dell’Ensemble del Teatro Grande di Brescia.

GIOVEDÌ 9 MARZO ORE 20.00

SALONE DELLE SCENOGRAFIE

DÈDALO ENSEMBLE

L’AMORE STREGONE

Da sempre impegnato nel repertorio contemporaneo e del Novecento, dèdalo ensemble presenta un programma che mette a confronto due assoluti capolavori della musica della prima metà del Novecento. Accomunati dall’ambientazione popolare e dalla caratteristica di essere eseguiti da un organico cameristico allargato, Appalachian Spring di Aaron Copland e El Amor Brujo di Manuel de Falla tratteggiano in musica due differenti contesti: da un lato l’America rurale e la scena di un matrimonio in cui contrastano la cupa religiosità penitenziale e la gioia di vivere, dall’altro l’ambientazione andalusa e gitana e la storia di un amore che non riesce a realizzarsi.

PROGRAMMA

Aaron Copland Appalachian Spring, Suite dal balletto, prima versione per 13 strumenti (1944)

Manuel de Falla Suite daEl Amor Brujo, gitaneria, prima versione per mezzosoprano e 15 strumenti (1915, REV 1921-25)

Mezzosoprano: Elena Belfiore

Dèdalo ensemble

Direttore: Vittorio Parisi

VITTORIO PARISI

Nato a Milano, studia al Conservatorio G.Verdi pianoforte con Carla Giudici e Piero Rattalino, composizione con Azio Corghi e direzione d’orchestra con Mario Gusella e Gianluigi Gelmetti, di cui è stato a lungo assistente. Si perfeziona col grande direttore russo Kirill Kondrashin e inizia poi una carriera che lo porta a dirigere le principali orchestre sinfoniche e liriche italiane in opere e concerti in un vasto repertorio dal barocco alle ultime espressioni dell’avanguardia a cui dedica molta parte del proprio lavoro oltre alla riproposizione di opere di ogni epoca rimaste fuori repertorio per vari motivi. Dirige in molti Paesi collaborando con prestigiosi registi e cantanti e solisti di grande fama internazionale, è Primo direttore dell’Orchestra dell’Angelicum di Milano, direttore artistico e stabile dei Solisti Aquilani e dal 1995 è direttore artistico del dèdalo ensemble. Ha inciso per case discografiche come Stradivarius, Dynamic, Bongiovanni, La Nuova Era e insegna direzione d’orchestra al Conservatorio di Milano dal 1997.

DÈDALO ENSEMBLE

Punto di riferimento per la musica del Novecento e contemporanea a Brescia da più di un quarto di secolo, dèdalo ensemble tiene un numero considerevole di concerti in città soprattutto tramite l’annuale rassegna Sulle Ali del Novecento, presentando un considerevole numero di prime esecuzioni assolute e collaborando anche con molti fra i più grandi compositori della scena internazionale. Oltre a incisioni discografiche e concerti in Europa e Stati Uniti, dèdalo ensemble organizza il concorso internazionale di Composizione dedicato a Camillo Togni e il Concorso di Direzione d’Orchestra “Città di Brescia-Giancarlo Facchinetti” e ospita anche manifestazioni collaterali alle proprie, come una mostra dedicata ad Arnold Schoenberg. Nella propria attività anche la realizzazione di opere teatrali in prima assoluta fra cui Viaggio musicale all’inferno di Giancarlo Facchinetti al Teatro Grande. È formato attualmente da strumentisti di varie generazioni che si sono formati in importanti orchestre sviluppando un forte interesse per le nuove musiche e le tecniche a esse collegate.

ELENA BELFIORE

Inizia fin da giovane gli studi musicali del violino e del pianoforte, avvicinandosi al canto lirico all’età di 15 anni. Si diploma, sotto la guida di Gabriella Ravazzi, al Conservatorio Paganini di Genova nel 1997. Nello stesso anno inizia la sua carriera, che la porterà a calcare i palcoscenici dei più importanti teatri del mondo, interpretando un repertorio che spazia dal barocco alle opere contemporanee. Lavora con importanti direttori d’orchestra fra i quali: Frédéric Chaslin, Myung-Whun Chung, Alan Curtis, Asher Fisch, Riccardo Frizza, Ivan Fischer, Daniele Gatti, Lü Jia, Mikhail Jurowski, Vladimir Jurowski, Jiri Kout, Lorin Maazel, Kazushi Ono, Daniel Oren, Emmanuel Plasson, Michel Plasson, Stefano Ranzani, Julian Reynolds, Corrado Rovaris, Carlo Rizzi, Julien Salemkour, Tom Woods, Ivan Ciampa e Alberto Zedda. In ambito concertistico Elena Belfiore debutta al Teatro Carlo Felice di Genova nel Requiem di Mozart, successivamente interpretato con grande successo all’Accademia Nazionale di Santa Cecilia a Roma sotto la direzione di Myung-Whun Chung. Il suo repertorio include inoltre prime esecuzioni assolute di opere contemporanee. Dal 2016, prosegue la sua attività da solista e parallelamente diventa Docente di Tecnica vocale presso la Scuola di Alta Formazione Professionale dell’attore del Teatro Nazionale di Genova, dove è tuttora docente. Negli anni Accademici 2018/2019 e 2021/2022 è stata Docente di canto presso il Liceo Musicale Statale Pertini di Genova.

MERCOLEDÌ 15 MARZO ORE 20.00

RIDOTTO DEL TEATRO GRANDE

RUGGERO RUOCCO PIANOFORTE

AUGUSTO MAZZONI RELATORE

INCONTRI TRA FILOSOFIA E MUSICA

Pensatori al pianoforte

In collaborazione con il Centro Casa Severino

Il Ridotto accoglie un particolare progetto che intende illustrare lo stretto legame che nell’era moderna ha unito musica e filosofia. Un recital pianistico con presentazione che proporrà brani composti dal filosofo bresciano Emanuele Severino, recentemente scomparso.

PROGRAMMA

Emanuele Severino Notturno

Sette pezzi per pf.

I pensieri delle Parche

AUGUSTO MAZZONI

Augusto Mazzoni, diplomato in Clarinetto e in Composizione (indirizzo sperimentale di musicologia), è laureato in Filosofia e in Lettere. Da tempo si dedica allo studio dei rapporti tra musica e filosofia. In merito ha pubblicato diversi saggi in italiano, inglese e francese, tra cui quattro volumi monografici: "La musica nell'estetica fenomenologica" (Mimesis, Milano 2004), "La musica nell'ermeneutica contemporanea" (Mimesis, Milano 2005), "Il dono delle Muse. Heidegger e la musica" (Il melangolo, Genova 2009), "Il gioco delle forme sonore. Studi su Kant, Hanslick, Nietzsche e Stravinskij" (Mimesis, Milano 2010). Dal 2004 è direttore di "BresciaMusica".

RUGGERO RUOCCO

Proviene dalle scuole pianistiche di Paolo Bordoni e Alberto Mozzati e completa la sua formazione musicale studiando composizione con Soresina e Manzoni. Dopo diverse affermazioni in concorsi nazionali e internazionali, inizia la frequentazione di importanti istituzioni concertistiche in Italia, Europa, Nord e Centro-America, collaborando inoltre con numerose orchestre. Si dedica tra l’altro all’approfondimento della musica di autori italiani quali Sgambati, Martucci, Petrassi, Dallapiccola e Margola e incide diversi CD che ottengono vivi consensi della stampa nazionale ed estera. Spiccato anche l’interesse per la musica contemporanea, nel cui ambito esegue in prima assoluta diverse composizioni, fra cui la Terza Sonata di Giancarlo Facchinetti, a lui dedicata. Pratica un’attività cameristica nutrita e versatile, spaziando dal duo (in svariate combinazioni) al quintetto per pianoforte e archi. Negli ultimi anni costituisce il trio Edoné, con il quale sta registrando l’integrale dei trii di Brahms per la Da Vinci Classics. È autore, in collaborazione con Emilio Ghezzi, di un Metodo per pianoforte edito dalla Carisch di Milano. Dal 1975 al 2018 è docente di pianoforte al Conservatorio di Brescia, in cui negli ultimi sei anni ha ricoperto l’incarico di direzione.

VENERDÌ 17 MARZO ORE 20.00

SALA GRANDE

TRAJAL HARRELL/SCHAUSPIELHAUS ZÜRICH DANCE ENSEMBLE

THE KÖLN CONCERT

Un pezzo di danza nato in piena pandemia ed eseguito sulla registrazione di uno dei più famosi assoli di pianoforte di tutti i tempi, The Köln Concertdi Keith Jarrett. Così Trajal Harrell – artista di fama mondiale, noto per il suo particolarissimo stile che unifica danza postmoderna e voguing – riporta alla memoria la necessità di rimanere vicini, di portare rispetto e ricorda che esistono innumerevoli storie di persone che raramente sono viste o sentite, persone lasciate nell'ombra che con orgoglio e bellezza sfidano il loro abbandono. È a loro che appartiene questa serata.

Di Trajal Harrell / Schauspielhaus Zürich Dance Ensemble

Sulle musiche di Keith Jarrett e Joni Mitchell

Utilizzate in accord con la ECM Records

Con Titilayo Adebayo, Maria Ferreira Silva, Trajal Harrell, Nojan Bodas Mair, Thibault Lac, Songhay Toldon, Ondrej Vidlar

Messa in scena, coreografia, scene, colonna sonora e costumi Trajal Harrell

Musiche di Keith Jarrett, Joni Mitchell

Luci Sylvain Rausa

Drammaturgia Katinka Deecke

Audience Development Mathis Neuhaus

Pedagogia teatrale Manuela Runge

Assistenti di produzione Camille Roduit, Maja Renn

Assistenti alle scene Ann-Kathrin Bernstetter, Natascha Leonie Simons

Assistenti ai costumi Ulf Brauner, Miriam Schliehe

Stage Manager Michael Durrer

Stagista di produzione Moritz Lienhard

Stagista alle scene Reina Guyer

Coordinamento tour e relazioni internazionali Björn Pätz, ART HAPPENS

Produzione Schauspielhaus Zürich

TRAJAL HARRELL

Trajal Harrell acquisisce notorietà nel mondo della danza contemporanea con la serie di lavori Twenty Looks or Paris is Burning at The Judson Church. Considerato uno dei coreografi più importanti, presenta i suoi lavori, tra gli altri, al Manchester International Festival, al Centre National de la Danse Paris, al Walker Arts Center, al Schauspielhaus Bochum, e al Munich Kammerspiele. Propone lavori performativi in contesti di arte visiva come MoMA PS1, Performa Biennial, Ludwig Museum, Hammer Museum, Centre Pompidou. Di recente diviene noto per Hoochie Koochie, la prima esposizione del suo lavoro performativo (1999-2016) al Barbican nel 2017. Il suo lavoro verrà presentato alla Biennale di San Paolo e nel 2023 gli verrà dedicata una retrospettiva al Moscow Garage. Attualmente la sua Compagnia ha sede presso la Schauspielhaus di Zurigo, dove Harrell è uno dei direttori.

VENERDÌ 24 MARZO ORE 20.00

SALONE DELLE SCENOGRAFIE

MDI ENSEMBLE

Il Quatuor pour la fin du temps di Olivier Messiaen fu scritto nel campo di concentramento di Görlitz per tre musicisti conosciuti da Messiaen durante la prigionia e insieme a loro eseguì il 15 gennaio del 1941.

25 anni prima, in piena Prima Guerra Mondiale, altri e diversi orrori bellici determinarono la nascita e lo stile della Sonate pour flute, alto et harpe di Claude Debussy.

Small II di Franco Donatoni fa da interludio ai due grandi compositori francesi e a essi è accomunata dal superamento della struttura ritmica tradizionale.

Un affascinante programma eseguito da MDI Ensemble, pluripremiata formazione italiana votata alla diffusione del repertorio contemporaneo e del Novecento.

PROGRAMMA

Claude Debussy Sonata per flauto, viola e arpa

Franco DonatoniSmall II

Olivier MessiaenQuatuor pour la fin du temps

MDI ENSEMBLE

Sonia Formenti flauto

Paolo Casiraghi clarinetto

Lorenzo Gentili-Tedeschi violino

Paolo Fumagalli viola

Giorgio Casati violoncello

Luca Ieracitano pianoforte

MDI ENSEMBLE

Nasce a Milano nel 2002. Nel 2017 è insignito del premio “Una vita nella musica” dal Teatro alla Fenice di Venezia, per aver perseguito “con tenacia e infaticabile studio uno scopo molto preciso, affrontare cioè la produzione di musica contemporanea con una forte identità di suono e di stile interpretativo, alla stregua delle formazioni cameristiche dedite al repertorio tradizionale”. Nel 2021 riceve il Premio Franco Abbiati dedicato a Mario Messinis “per la dedizione nei confronti dei repertori contemporanei che ha affrontato con disciplina analitica e compenetrazione poetica, individuando nel dialogo diretto con i compositori eseguiti la chiave di accesso per decifrare partiture di segno diversissimo, sempre coltivando una propria cifra sonora e interpretativa”. Sin dagli esordi l’Ensemble collabora con alcuni dei più grandi compositori viventi ed è ospite regolare delle più importanti istituzioni musicali italiane e straniere, tra cui Festival Milano Musica, Biennale Musica di Venezia, Società del Quartetto di Milano, Bologna Festival, Mito-Settembre Musica, Ravenna Festival, Festival dei Due Mondi, Festival Transart, Festival Présences di Radio France, Festival Jeunesse di Vienna, ORF di Innsbruck, Villa Concordia a Bamberg, SWR di Stoccarda, SMC di Losanna, LACMA di Los Angeles, Chelsea Music Festival di New York. Ha collaborato con direttori quali Marco Angius, Stefan Asbury, Robert HP Platz, Emilio Pomarico, Yoichi Sugiyama, Pierre-André Valade. Dal 2016 MDI Ensemble organizza a Milano la rassegna di concerti e masterclass Sound of Wander. Dal 2019 è anche promotore di Newmusic Week, un workshop internazionale di composizione e prassi strumentale contemporanea (in collaborazione con Accademia Filarmonica Romana e Villa Vigoni – Centro italo-tedesco per il dialogo europeo). Ha inciso cd dedicati a Simone Movio, Mauro Lanza e Andrea Valle, Marco Momi, Giovanni Verrando, Misato Mochizuki, Emanuele Casale, Sylvano Bussotti, Stefano Gervasoni (premio Accademia Charles Cros, “Coup de coeur-musique contemporaine” 2009), Simone Movio.Il DVD See the Sound–Homage to Helmut Lachenmann è stato trasmesso da Rai 5 e Sky Classica.

MARTEDÌ 28 MARZO ORE 20.00

SALA PALCOSCENICO BORSONI

CRISTINA KRISTAL RIZZO

MONUMENTUM. The second sleep |

prima parte/il solo

C’è sempre una filosofia nella danza, che abilita i processi che ci permettono di relazionarci con il mondo, di connetterci, di trasformarci e accedere al puro flusso della durata. C’è sempre una certa delicatezza nell’affrontare la solitudine di un corpo, nella danza risiede una politica immanente: tracciare invece di discutere, tracciare invece di volere, tracciare invece di cercare di capire, lasciare che l’essere trovi un modo per essere, un’altra possibilità di presenza. Lo spettacolo ha un andamento temporale racchiuso nella performance di un solo danzato da Megumi Eda, già storica danzatrice di Karole Armitage, che interpreta con intensità un corpo in uno stato alterato di coscienza, in uno slancio vitale, nel tentativo di unire attraverso la danza arte, filosofia e forma.

Creazione 2022/23

Ideazione, coreografia, scenografia e costumi Cristina Kristal Rizzo

Danza Megumi Eda

Elaborazione sonora dal vivo Cristina Kristal Rizzo

Musiche Gesualdo da Venosa e Lamin Fofana

Riferimento cinematografico Sogni di Akira Kurosawa

Riferimenti teorici Lucia Amara

Luce Gianni Staropoli

Creative producer Silvia Albanese

Produzione TIR Danza

Co-produzione Torino Danza Festival

Progetto vincitore del Bando Abitante sostenuto dal Centro Nazionale di Produzione della Danza Virgilio Sieni e dalla Fondazione CR Firenze.

Paolo Malacarne tromba

Andrea Andreoli trombone

Gianluca Zanello sax alto

Tino Tracanna sax tenore e soprano

Massimiliano Milesi sax tenore e baritono

Federico Calcagno clarinetto e clarinetto basso

Alfonso Santimone pianoforte

Giulio Corini contrabbasso

Filippo Sala batteria

LUNEDÌ 4 DICEMBREORE 20.00

RIDOTTO DEL TEATRO GRANDE

FULVIO LUCIANI VIOLINO

MASSIMILIANO MOTTERLE PIANOFORTE

TRE SONATE

Nel giro di tre anni, dal 1886 al 1888, in luoghi e ambienti lontani anche antagonisti, videro la luce tre capolavori assoluti. Ma cosa d’altro accadeva in quegli anni così fortunati per le sonate a violino e pianoforte? Qual è la distanza che ci divide da loro? Fulvio Luciani e Massimiliano Motterle provano a dare una risposta a queste domande accompagnando l’ascoltatore in un nuovo viaggio nella musica.

PROGRAMMA

César Franck Sonata per violino e pianoforte

Richard Strauss Sonata in mi bemolle maggiore op.18

Johannes Brahms Sonata in re minore op.108

FULVIO LUCIANI

Allievo di Paolo Borciani, Franco Gulli e Norbert Brainin, è fondatore e primo violino del Quartetto Borciani con cui tiene concerti e corsi in Europa e negli Stati Uniti, realizza dischi e registrazioni radiotelevisive, commissiona ed esegue opere nuove. Oltre all’attività con il Quartetto, da sempre segue un personale percorso di ricerca come esecutore e didatta, e ama scrivere di ciò che suona. "He has the technique to handle all of the music’s demands” (American Record Guide). È protagonista della riscoperta di Camillo Sivori, celebre virtuoso dell’Ottocento e unico allievo di Paganini. Suona in duo con Massimiliano Motterle dal 2008 e si esibisce in tutta Europa, negli Stati Uniti e in Iran, ospite di istituzioni quali il Teatro alla Scala, il Teatro di San Carlo, il Teatro Regio di Torino, la Società del Quartetto di Milano, l’Accademia Filarmonica Romana, MiTo, insieme a Siegfried Palm, Hatto Beyerle, Bruno Canino, Antonio Ballista, Paolo Bordoni, Enrico Dindo, Guido Ajmone-Marsan, Toby Hoffmann e Riccardo Zadra. Col pianista ed editore Luigi Spagnol costituisce il DuoBibo. Vince il Premio Internazionale del Disco Antonio Vivaldi della Fondazione Giorgio Cini. Insegna al Conservatorio di Milano e nel 2013 crea Officine Luciani, libera scuola di violino e musica da camera. Ha appena pubblicato presso Casa Ricordi una nuova revisione critica della Sonate e Partite di Johann Sebastian Bach. Tra gli impegni futuri, l’esecuzione con l’Orchestra Sinfonica di Milano del Concerto per violino “Dialoghi con il respiro” che Gabriele Manca ha scritto per lui.

MASSIMILIANO MOTTERLE

Erede della scuola pianistica bresciana iniziata con Arturo Benedetti Michelangeli, studia con Sergio Marengoni col quale si diploma presso il Conservatorio “Giuseppe Verdi” di Milano col massimo dei voti, la lode e la menzione d’onore; completa la sua formazione artistica con Franco Scala, Lazar Berman, Paul Badura-Skoda e Alexis Weissenberg. È vincitore di numerosi premi in concorsi internazionali tra cui Liszt di Budapest, Concorso Internazionale di Cincinnati, Concorso Iturbi di Valencia e Concorso Internazionale di Parma. A 21 anni debutta in Sala Verdi a Milano eseguendo il Terzo Concerto di Rachmaninov con l’Orchestra RAI di Milano diretta da Daniele Callegari e nel 2004 esegue i 12 Studi Trascendentali di Liszt per la Società dei Concerti; è invitato ad eseguire Malediction di Liszt nella Great Concert Hall di Budapest con la Liszt Chamber Orchestra, e Totentanz con la Hungarian Matav Symphony Orchestra, nella Sala dell’Accademia Liszt; nel 2019 debutta in Russia eseguendo il Concerto n.1 di Brahms, con la Filarmonica di Voronezh diretta da Igor Verbitsky. Tiene concerti in tutto il mondo e si esibisce per importanti Festival e Orchestre diretto da Umberto Benedetti Michelangeli, Riccardo Frizza, Neal Gittleman, Aram Khacheh, András Ligeti, Pier Carlo Orizio, Igor Verbitsky e Jonathan Webb. Tiene seminari e masterclass in Italia, Cina e negli Stati Uniti. Insegna pianoforte al Conservatorio Gaetano Donizetti di Bergamo ed è direttore artistico della storica Associazione GIA di Brescia e del Concorso Pianistico Internazionale Arturo Benedetti Michelangeli, la cui prima edizione si terrà nel 2023.

DOMENICA 17 DICEMBRE ORE 20.00

SALA GRANDE

LUIGI PIOVANO VIOLONCELLO

ANTONIO PAPPANO PIANOFORTE

Sir Antonio Pappano, star mondiale della musica e direttore dell’Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, si esibirà in uno dei rari concerti in cui lo si può vedere in veste di pianista. Al suo fianco un altro grande interprete, Luigi Piovano, primo violoncello solista dell’Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia.

PROGRAMMA DA DEFINIRE

ANTONIO PAPPANO

Sir Antonio Pappano dal 2005 al 2022 è Direttore Musicale dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, dal 2002 Music Director del Covent Garden di Londra. Nel marzo 2021 è stato annunciata la nomina di Antonio Pappano a prossimo Chief Conductor della London Symphony Orchestra (Chief Conductor Designate dalla Stagione 2023/2024). In passato è stato Direttore Musicale della Norske Opera di Oslo e del Théâtre Royal de la Monnaie di Bruxelles. Nato a Londra nel 1959 da genitori italiani, studia pianoforte, composizione e direzione d’orchestra negli Stati Uniti. Fra le tappe più prestigiose della sua carriera sono da ricordare i debutti alla Staatsoper di Vienna nel 1993, al Metropolitan di New York nel 1997 e al Festival di Bayreuth nel 1999. Pappano ha diretto molte tra le maggiori orchestre del mondo (New York Philharmonic, Wiener Philharmoniker, Berliner Philharmoniker, Concertgebouw di Amsterdam, London Symphony Orchestra…). Nel 2005 è nominato “Direttore dell’anno” dalla Royal Philharmonic Society e vince il Premio Abbiati. Registra per Warner Classics e con l’Orchestra e il Coro di Santa Cecilia incide moltissimi cd vincitori dei più importanti premi internazionali. Nel 2007 Pappano viene nominato Accademico Effettivo di Santa Cecilia. Nel 2012 la regina Elisabetta lo nomina Cavaliere per i servizi resi alla musica ed è anche nominato Cavaliere di Gran Croce dell’ordine al Merito della Repubblica Italiana. Nel 2015 gli viene conferita la RPS Gold Medal - la più alta onorificenza della Royal Philharmonic Society - divenendo il 100° RPS Gold Medallist a partire dalla fondazione del premio, nel 1870.

LUIGI PIOVANO

Diplomato in violoncello e musica da camera sotto la guida di Radu Aldulescu, per anni è primo violoncello del gruppo Concerto Italiano, diretto da Rinaldo Alessandrini. Nel 1999 è scelto da Maurizio Pollini per partecipare al “Progetto Pollini” al Festival di Salisburgo, alla Carnegie Hall, a Tokyo e a Roma. Tiene concerti da camera con artisti del calibro di Sawallisch, Chung, Lonquich, Lucchesini, Sitkovetsky, Kavakos, le sorelle Labeque. Dal 2005 suona regolarmente in duo con Antonio Pappano. Suona come solista con orchestre come Tokyo Philharmonic, New Japan Philharmonic, Accademia di Santa Cecilia, Seoul Philharmonic, Orchestre Symphonique de Montréal, sotto la direzione di direttori come Chung, Menuhin, Nagano, Pappano, Pletnev. È del 2020 il CD con le Sonate di Brahms in duo con Pappano. Da oltre vent’anni è primo violoncello solista dell’Orchestra dell’Accademia di Santa Cecilia. Suona un violoncello Francesco Ruggeri detto “il Per” (Cremona, 1692) messo gentilmente a disposizione da Francesco Micheli. Come direttore registra per Naxos, Eloquentia e Arcana. Dal 2012 al 2022 è direttore musicale dell’Orchestra ICO della Magna Grecia di Taranto. Dal 2013 è alla testa degli Archi di Santa Cecilia con i quali pubblica sei CD. Fra gli impegni del 2022, il debutto con l’Orchestra del Mozarteum di Salisburgo (che lo reinvita immediatamente per il 2023 e il 2024), Tosca al Teatro Bellini di Catania e il debutto sul podio dell’Orchestra Sinfonica di Milano “Giuseppe Verdi”.

MERCOLEDÌ 20 DICEMBRE ORE 20.00

SALA GRANDE

ORCHESTRA ACCADEMIA BIZANTINA

OTTAVIO DANTONE DIRETTORE

CONCERTO DI NATALE

Sul finire del Seicento – inizio Settecento in Italia nacque una fortunata tradizione che interessò molti dei principali compositori del periodo: i concerti dedicati al Natale. Attraverso una straordinaria interpretazione, il Maestro Ottavio Dantone e l’Orchestra Accademia Bizantina faranno rivivere alcuni di questi grandi capolavori.

IL MISTERO DEL NATALE

Giuseppe Valentini Sinfonia XII Op 1, Per il Santissimo Natale

Gaetano Maria SchiassiConcerto XII, Pastorale per il Natale di nostro Signor Jesu

Antonio Vivaldi Concerto per violino in mi maggiore RV 270, Il Riposo per il SS. Natale

Giuseppe Torelli Concerto Grosso op.8 n.6, Pastorale per il SS.Natale

Giuseppe SammartiniConcerto Grosso op.5 n.6

Arcangelo Corelli Concerto Grosso op.6 n.8, fatto per la notte di Natale

OTTAVIO DANTONE

Dopo essersi diplomato al conservatorio G. Verdi di Milano in organo e clavicembalo, ha intrapreso giovanissimo la carriera concertistica segnalandosi presto all’attenzione della critica come uno dei clavicembalisti più esperti e dotati della sua generazione. Nel 1985 ha ottenuto il premio di basso continuo al concorso internazionale di Parigi e nel 1986 è stato premiato al concorso internazionale di Bruges. E’ stato il primo italiano ad aver ottenuto tali riconoscimenti a livello internazionale in ambito clavicembalistico. Profondo conoscitore della prassi esecutiva del periodo Barocco, dal 1996 è il Direttore Musicale dell’Accademia Bizantina di Ravenna con la quale collabora dal 1989. Sotto la sua direzione l’Accademia Bizantina, nel giro di pochi anni, si afferma come uno degli Ensemble di musica barocca con strumenti antichi più noti ed accreditati nel panorama internazionale. Nel corso dell’ultimo ventennio, Ottavio Dantone ha gradualmente affiancato alla sua attività di solista e di leader di gruppi da camera, quella di Direttore d’Orchestra, estendendo il suo repertorio al periodo classico e romantico. Il suo debutto nella direzione di un’opera lirica risale al 1999 con la prima esecuzione in tempi moderni del “Giulio Sabino” di Giuseppe Sarti al teatro Alighieri di Ravenna con la sua Accademia Bizantina. La sua carriera lo ha successivamente portato ad accostare al repertorio più conosciuto la riscoperta di titoli meno eseguiti o in prima esecuzione moderna nei festival e nei teatri più importanti del mondo tra cui Teatro alla Scala di Milano, Glyndebourne Festival Opera, Teatro Réal di Madrid, Opéra Royale Versailles, Opera Zurich ed London Proms. Ha inciso, sia come solista che come direttore, per le più importanti case discografiche: Decca, Deutsche Grammophon, Naïve e Harmonia Mundi ottenendo premi e riconoscimenti prestigiosi dalla critica internazionale.

ACCADEMIA BIZANTINA ORCHESTRA

Accademia Bizantina (AB) nasce a Ravenna nel 1983. La musica di Accademia parte dall’origine (“AB”), dalle regole del linguaggio stilistico barocco: le indaga senza aggiungere, eliminare o trasformare, affidandosi ai suoni di strumenti antichi. Questo distintivo metodo interpretativo ha inizio con l’arrivo in AB, nel 1996, del suo direttore Ottavio Dantone, profondo conoscitore dei codici espressivi barocchi. Il suo sistema, forgiato dall’esperienza e da uno studio filologico costante, permette ad AB di diventare un’orchestra pronta ad accostarsi con consapevole onestà a qualsiasi repertorio. Poter restituire al pubblico l’intenzione autentica del compositore è un valore inestimabile che evale ad AB riconoscimenti e collaborazioni nazionali e internazionali. Ogni esecuzione di Accademia Bizantina, che dal 2011 può contare anche sul prestigioso concertmaster Alessandro Tampieri, è un inaspettato viaggio nel tempo, un inimitabile equilibrio tra tecnica, abilità, rigore, cultura interpretativa, intuito e accuratezza stilistica. Accademia Bizantina incide per Decca, Harmonia Mundi, Deutsche Grammophon, Naïve, Alpha, Onyx, HDB Sonus. Riceve prestigiosi riconoscimenti come il Diapason d’Or, Midem, Choc di Classica, Opus Klassik, Grammy Music Award e Gramophone Awards. Particolarmente significative le collaborazioni intraprese con i violinisti Viktoria Mullova e Giuliano Carmignola, il controtenore Andreas Scholl e la contralto Delphine Galou. Nell’anno 2021 si classifica prima orchestra in Europa e seconda al mondo ai Gramophone Awards. Accademia Bizantina, suoan nei più prestigiosi Teatri e Festival del mondo quali, Carnegie Hall e Lincoln Center (New York), Wigmore Hall e Barbican Centre (Londra), Théâtre des Champs Elysées (Parigi) e Opera Royal (Versailles); Concertgebouw (Amsterdam), Bozar (Bruxelles), Pierre Boulez Saal / Staatoper (Berlino) Kölner Philharmonie, Elbphilharmonie Hamburg, ENCPA Pechino, Shangai Concert Hall, Walt Disney Hall (Los Angeles), Theater an der Wien (Vienna), CNDM Madrid e Auditorium Parco della Musica di Roma.

PROGETTI SPECIALI

DA GENNAIO A MARZO

SALA GRANDE

LEZIONI DI STORIA

CAPITALI CULTURALI

In collaborazione con Editori Laterza

SABATO 28 GENNAIO ORE 11.00

LAURA PEPE. ROMA E L’EREDITÀ CLASSICA

Una città che nasce per caso, grazie a una lupa che allatta due gemelli. Una città che per caso diventa il centro del mondo, grazie alle vittorie contro Cartagine. Una città che conquista la Grecia e si abbevera alla sua cultura. Una città che diventa impero e proclama cittadini tutti i suoi abitanti. Roma antica, nella sua esistenza più che millenaria, è stata questo e molto altro. Ma che cosa ha ancora da raccontarci, Roma? E perché, a duemila anni di distanza, è giusto che ci sentiamo suoi eredi?

Laura Pepe insegna Istituzioni di diritto romano e Diritto greco antico all’Università degli Studi di Milano.

SABATO 4 FEBBRAIO 2023 ORE 11.00

ALESSANDRO MARZO MAGNO. VENEZIA E L’ALBA DEI LIBRI

La stampa a caratteri mobili viene inventata in Germania, ma si sviluppa in Italia, in particolare a Venezia, la città che nel Cinquecento diventa l’indiscussa capitale dell’editoria. A Venezia si pubblicavano la metà delle edizioni europee e i tre quarti di quelle italiane. A Venezia si sono stampati il primo libro greco della storia (1486), il primo libro armeno (1512), la prima Bibbia in volgare italiano (1471), il primo Talmud (1520), il primo Corano in arabo (1538), il primo libro di medicina illustrato (1494) e il primo libro pornografico (1527).

Alessandro Marzo Magno è giornalista, storico e scrittore.

SABATO 11 FEBBRAIO 2023 ORE 11.00

VALERIO MAGRELLI. PARIGI E LA CULTURA MALEDETTA

Con una memorabile immagine, Walter Benjamin definì la Parigi ottocentesca come “capitale del XIX secolo”. Al di là della splendida idea (proiettare il primato di una città in una dimensione cronologica invece che geografica), l’enunciazione coglie bene la superiorità della cultura francese nel panorama europeo dell’epoca. Basti pensare a parole quali flâneur, boulevard, dandy, bohémien, che in pochi anni giunsero a ridisegnare romanzo e poesia, musica e pittura, urbanistica e sociologia.

Valerio Magrelli è scrittore, traduttore e professore di Letteratura francese all’Università Roma Tre.

SABATO 18 FEBBRAIO 2023 ORE 11.00

PAOLO NORI. SAN PIETROBURGO E LE AVANGUARDIE

«Le ragazze, quelle che camminano con stivali di occhi neri sui fiori del mio cuore. Le nuvole. La sede del KGB. Un edificio di mattoni, di là dal fiume: la più grande prigione dell’Unione Sovietica. La luce anche di notte. Un gruppo jazz che suona con i guanti senza la punta delle dita. Le sigarette con lunghi filtri di cartone. Il cane randagio. Il Palazzo d’Inverno. Il Museo Russo. Il ‘quando compri un uccello, guarda se ci sono i denti o se non ci sono. Se ci sono i denti, non è un uccello’». Un racconto dei fermenti di rinnovamento artistico e culturale nel periodo della Rivoluzione.

Paolo Nori è scrittore e traduttore.

SABATO 4 MARZO 2023 ORE 11.00

ALBERTO MARIO BANTI. SAN FRANCISCO E LA CONTROCULTURA ROCK

All’inizio del 1964 San Francisco non ha una grande tradizione musicale alle spalle: non ci sono case discografiche; non ci sono studi di registrazione; non ci sono locali notturni che diano particolare spazio alla musica. Eppure, nel giro di pochissimi anni la città diventa una delle più importanti capitali mondiali della nuova musica rock, il luogo da cui spiccano il volo Janis Joplin, i Jefferson Airplane, i Grateful Dead, i Quicksilver Messenger Service e molte altre band. Cosa è successo? Chi ha reso possibile tutto ciò? Ebbene, la lezione cercherà di rispondere a queste domande, dando nomi e volti ai ragazzi e alle ragazze che costruirono, praticamente dal nulla, la formidabile scena rock della Bay Area.

Alberto Mario Banti è professore di Storia contemporanea all’Università di Pisa.

Ogni lezione prevede la partecipazione dell’attrice Elena Vanni.

PROGETTI SPECIALI

DAL 18 AL 20 MAGGIO

PERCORSO ITINERANTE BRESCIA

CHRISTIAN CHIRONI

BERGAMO-BRESCIA DRIVE

In collaborazione con Fondazione Pio Manzù Bergamo

Utilizzando una Fiat 127 Special, disegnata dal designer bergamasco Piò Manzù negli anni Settanta, l’artista Cristian Chironi intraprende con il pubblico un percorso itinerante tra le città di Bergamo e di Brescia.

La Fiat 127 – personalizzata da Chironi secondo gli accostamenti cromatici tipici delle case di Le Corbusier in cui Chironi ha vissuto e artisticamente lavorato in dodici paesi sparsi al mondo grazie ad un progetto con la Fondation Le Corbusier – viaggerà tra i due territori ospitando in auto in ogni sessione tre persone che si uniranno all’artista e a una selezione di diversi copiloti.

Un progetto che unisce i partecipanti in un’esperienza condivisa e li invita a riflettere su temi che vanno dalla migrazione e dalla memoria alla costruzione di una casa e al senso del luogo.

CRISTIAN CHIRONI

Cistian Chironi è nato a Nuoro e ha studiato all’Accademia di Belle Arti di Bologna. Come artista, utilizza diversi linguaggi tra cui performance, fotografia, video, disegno, creando spesso una sorta di interazione tra di loro. Realizza performance e installazioni site specific, sempre alla ricerca dell’interazione con il contesto, sia esso umano (pubblico) e ambientale (spazio). La sua ricerca mira a mettere in relazione immagine e immaginazione, realtà e finzione, memoria e modernità, conflitto e integrazione, materiale e immateriale. Ha esposto in diversi spazi per le arti sia in Italia che all’estero.

PROGETTI SPECIALI

SABATO 26 MARZO

LA GRANDE NOTTE DEL JAZZ

PROGETTO REALIZZATO CON LA COLLABORAZIONE ARTISTICA DI EMANUELE MANISCALCO E LUIGI RADASSAO.

VENERDÌ 9 GIUGNO (ANTEPRIMA)

SABATO 10 GIUGNO

FESTA DELL’OPERA

DA MAGGIO A SETTEMBRE

IL GRANDE IN PROVINCIA

PROGETTO REALIZZATO IN COLLABORAZIONECON

PROVINCIA DI BRESCIA E FONDAZIONE PROVINCIA DI BRESCIA EVENTI

DA LUGLIO A SETTEMBRE

GRANDEBRIXIA. Il Grande al Teatro Romano

PROGETTO REALIZZATO IN COLLABORAZIONECON FONDAZIONE BRESCIAMUSEI

VENERDÌ 15 SETTEMBRE

SABATO 16 SETTEMBRE

TEATRO GRANDE

STACCANDO L’OMBRA DA TERRA

Essere giovani italiani nel 2023

PROGETTO REALIZZATO IN COLLABORAZIONECON SCOMODO

SETTEMBRE

TEATRO GRANDE

ACCESSIBILITY DAY

NELL’AMBITO DEL PROGETTO OPEN. IL GRANDE ACCESSIBILE

DA GENNAIO A DICEMBRE

LUOGHI VARI DELLA CITTÀ

GRANDE COMUNITÀ

La Musica come infrastruttura sociale

PROGETTI EDUCATIONAL

DOMENICA 16 APRILE ORE 20.00(RECITA PER BAMBINI E FAMIGLIE)

DAL 17 AL 21 APRILE (RECITE PER LE SCUOLE)

SALA GRANDE

OPERA DOMANI

FLAUTO MAGICO. IL SUONO DELLA PACE

Musica W. A. Mozart.

Libretto E. Schikaneder

Adattamento musicale e drammaturgico a cura di AsLiCo

con Cantanti vincitori e finalisti delle ultime edizioni del Concorso AsLiCo

Direttore Alfredo Salvatore Stillo

Regia Caroline Leboutte

Scene e costumi Aurélie Borremans

Assistente alla regia Judith Faraoni

Orchestra 1813

Produzione AsLiCo

in coproduzione con Opéra Grand Avignon, Opéra de Rouen e Bregenzer Festspiele

Nuovo allestimento

Opera domani - XXVII edizione

Progetto per la produzione di opere liriche introdotte da percorsi didattici

PROGETTI EDUCATIONAL

SABATO 11 NOVEMBRE ORE 16.00

SALA GRANDE

SENTIERI SELVAGGI

ZOOLOGIA

Camille Saint-Saëns Il Carnevale degli animali

Carlo Boccadoro Animalia, per voce recitante ed ensemble

SENTIERI SELVAGGI

Flauto Paola Fre

Clarinetto Mirco Ghirardini

Violino Piercarlo Sacco

Violino Daniele Richiedei

Viola Elena Favilla

Violoncello Aya Shimura

Contrabbasso Alberto Lo Gatto

Pianoforte Valentina Messa

Pianoforte Andrea Rebaudengo

Percussioni Andrea Dulbecco

Voce recitante Federica Fracassi

Direzione Carlo Boccadoro

SENTIERI SELVAGGI

Sentieri selvaggi nasce nel 1997 da un'idea di Carlo Boccadoro, Filippo Del Corno e Angelo Miotto con lo scopo di avvicinare la musica contemporanea al grande pubblico. Fin dall'esordio i concerti di Sentieri selvaggi si caratterizzano per le informali presentazioni parlate di ogni brano. L’attività di Sentieri selvaggi si articola nell'organizzazione di una stagione musicale a cadenza annuale, in un'intensa attività concertistica e nella realizzazione di progetti speciali. Nel 2009 Sentieri selvaggi segue lo storico partner Teatridithalia nella nuova e prestigiosa sede del Teatro Elfo Puccini di Milano, diventandone ensemble in residence e portandone così la propria stagione musicale. Sentieri selvaggi è regolarmente ospite delle più prestigiose stagioni musicali italiane (Accademia Nazionale di Santa Cecilia, Teatro alla Scala, Biennale di Venezia, Società del Quartetto di Milano), dei maggiori eventi culturali del nostro paese (Festival della Letteratura di Mantova, Notte Bianca di Roma, Festival della Scienza di Genova, MITO SettembreMusica) e di importanti festival internazionali (Bang On A Can Marathon di New York, SKIF Festival di San Pietroburgo, Sacrum Profanum di Cracovia, Festival Ilkhom di Tashkent, Uzbekistan). Sentieri selvaggi diffonde il proprio repertorio anche in contesti inusuali, in spazi alternativi alla consueta sala da concerto come gallerie d'arte, piazze, strade, centri commerciali e università, dando ampio spazio ad attività trasversali con scrittori, architetti, scienziati, video-maker, attori, registi, musicisti rock e jazz. Il gruppo stringe nel corso degli anni collaborazioni con i più importanti compositori internazionali come Nyman, Glass, Lang, Andriessen, MacMillan, Bryars, Wolfe, Vacchi e promuove una nuova generazione di compositori italiani quali Antonioni, Colasanti, Mancuso, Montalbetti e Verrando. Il catalogo di produzioni editoriali e discografiche del gruppo conta oltre 10 titoli realizzati per Einaudi, RaiTrade, MN Records, Velut Luna, Sensible Records. Capitolo importante nel lavoro di Sentieri selvaggi sono poi le produzioni di teatro musicale.

PROGETTI EDUCATIONAL

DOMENICA 21 MAGGIOORE 17.00

SALA GRANDE

FACCIAMO LA BANDA

CONCERTO CONCLUSIVO DEL PROGETTO DI EDUCAZIONE MUSICALE REALIZZATO IN COLLABORAZIONECON

ASSOCIAZIONE FILARMONICA “ISIDORO CAPITANIO” BANDA CITTADINA DI BRESCIA

SABATO 7 OTTOBRE ORE 15.00

SPAZI DEL TEATRO GRANDE

IL GRANDE PER I PICCOLI

Laboratori, installazioni, performance per l’infanzia

DA GENNAIO A DICEMBRE

#NONSOLOSCIENZA

PROGETTO REALIZZATO IN COLLABORAZIONE CON FONDAZIONE DELLA COMUNITÀ BRESCIANA

CON IL SOSTEGNO DI INTESA SANPAOLO E CESVI

Spettacoli, laboratori, conferenze sceniche per studenti della Scuola Secondaria di Primo e Secondo Grado