Astrazione e realismo
Dopo ventisei anni, Salome di Richard Strauss torna a Buenos Aires in una produzione di buon livello diretta da Philippe Auguin.
BUENOS AIRES, 28 ottobre 2025 - Dopo 26 anni è tornato sul palcoscenico del Teatro Colón, in una nuova produzione teatrale, Salome di Richard Strauss, con un ottimo livello generale.
La messa in scena di Bárbara Lluch colloca l'azione intorno al 1930/40, cercando di mostrare l'autoritarismo di quella corte decadente, un espediente così abusato da risultare poco creativo. Il movimento degli attori è opportuno, anche se la concezione oscilla tra l'astrazione e il realismo. Salome non è un'adolescente capricciosa, ma una donna che indossa un frac maschile. Molto interessante la scenografia, ottimo lavoro di Daniel Bianco, di natura astratta, sviluppata su un piano inclinato che consiste nella griglia della cisterna al centro e sei cerchi concentrici di diverse altezze, catene metalliche sullo sfondo e ai lati del palcoscenico e la grande luna dietro. È più che interessante e un grande colpo di scena che, attraverso la scenografia, grazie al palcoscenico girevole, appaia una scala e l'interno della cisterna, per cui invece di vedere Jokanaan uscire dalla cisterna, è Salome che scende nel luogo della sua prigionia. Nella scena finale Salome, abbracciando la testa del profeta, si macchia le mani e le vesti di sangue, un espediente poco visto e molto coerente.
Il finale è rappresentato da un'enorme mano che cala sulla scena, nel momento in cui lo stesso schiavo che ha ucciso Jokanaan taglia la gola a Salomè, un'apparizione imponente che può essere interpretata come la giustizia o la sentenza di Erode o qualcosa che non riusciamo a comprendere.
Ingegnosa la coreografia di Mercè Grané - che ha anche collaborato alla regia - per creare nella “danza dei sette veli” una sorta di flashback con l'inizio dell'attuale Salome che balla con il suo patrigno per poi vedere due ballerine –allieve del corso di danza dell'Istituto Superiore di Arte Teatrale– che impersonano sia una Salomè bambina che un'adolescente, vestite di rosso come Erodiade, in una sorta di gioco erotico che ridefinisce la protagonista come abusata da Erode, con il consueto crescendo erotico della partitura che si riflette nella coreografia.
L'illuminazione di Albert Faura ha valorizzato la messa in scena e la scenografia e i costumi di Clara Peluffo escono dal nero, quasi onnipresente, solo nel rosso di Erodiade e delle due ballerine, nel mantello bianco di Erode e nel bianco parziale di alcuni degli altri personaggi.
Sicura la direzione musicale di Philippe Auguin e di ottimo livello la risposta dell'orchestra sia nella sua esecuzione sinfonica che nell'adeguato equilibrio con la scena.
Il soprano Ricarda Merbeth, di grande esperienza, ha interpretato una Salome di potente presenza, con una profonda conoscenza della parte, un volume adeguato, uniformità di registri, acuti decisi e intensità drammatica dall'inizio alla fine.
Egils Siliņš ha impressionato nel ruolo di Jokanaan per la bellezza del timbro, l'autorevolezza nel canto e la giusta espressività. È riuscito a dare il tono appropriato al personaggio.
Norbert Ernst ha offerto un Erode dagli accenti perfetti, con volume adeguato e una performance vocale di grande solidità, mentre Nancy Fabiola Herrera ha apportato la sua competenza e la sua esperienza al ruolo di Erodiade.
Fermín Prieto (Narraboth) ha soddisfatto le esigenze della parte e il mezzosoprano Daniela Prado nel ruolo del paggio di Erodiade è stata adeguata, anche se non sempre a proprio agio in alcuni gravi della partitura.
Armonioso e corretto il resto del cast composto da Santiago Martínez, Pablo Urban, Iván Maier, Andrés Cofré, Iván García, Sergio Wamba, Marcelo Monzani, Agustín Albornoz, Claudio Rotella, Walter Schwarz e Mariana Carnovali.