22-23 novembre 2019

ore 20.00

Triennale Milano Teatro

Saburo Teshigawara/KARAS Giappone

Tristan and Isolde

musica: estratti dall’opera Tristan und Isolde di Richard Wagner / coreografia, design luci: Saburo Teshigawara / con: Rihoko Sato, Saburo Teshigawara / coordinatore tecnico, assistenza alle luci: Sergio Pessanha / assistente di produzione, sartoria: Emiko Murayama / produzione: KARAS / con il supporto di: Agency for Cultural Affairs of Japan / con il patrocinio del: Consolato Generale del Giappone a Milano

durata: 60 minuti

Reduce dal grande successo di SHE, solo presentato in esclusiva italiana in apertura della passata stagione, Saburo Teshigawara - nome di riferimento della coreografia mondiale - torna a Triennale Teatro per confrontarsi con un classico senza tempo. Nel suo Tristan and Isolde, Teshigawara trasforma l’opera di Richard Wagner, capolavoro del Romanticismo tedesco che racconta un amore irrealizzabile e le sue tragiche conseguenze, in un movimento unico per due interpreti: lo stesso coreografo e la sua fedele musa e partner di lunga data, Rihoko Sato. Mantenendo la musica di Wagner al centro, come parte integrante della performance, Teshigawara sceglie di concentrare la sua attenzione su una dimensione più essenziale della vicenda tragica: i due interpreti mettono in scena il dolore di questo difficile amore, alimentato dalla sete di un desiderio che non può essere soddisfatto e che alla fine può trovare pace soltanto nella morte. Incarnando questi infelici amanti, i loro corpi diventano messaggeri di un’esperienza sensoriale altrimenti indicibile, e diventano capaci di una comprensione esclusivamente affettiva. La musica di Wagner, selezionata a formare una successione ripetitiva, quasi ossessiva, è parte costitutiva della creazione di Teshigawara: così la melodia, continuamente ondeggiante, si riflette nel movimento dei due corpi in scena, che tendono a riempire lo spazio in un'incessante fuga reciproca da sé.

Saburo Teshigawara ha iniziato la sua straordinaria carriera nel 1981, nella nativa Tokyo, dopo aver studiato arti plastiche e balletto classico. Nel 1985 con Key Miyata ha fondato KARAS, iniziando così a creare, oltre che per se stesso, anche per altri interpreti. Da allora è stato invitato con KARAS a esibirsi regolarmente nelle principali città del mondo. Nel 1994/1995 è stato invitato da William Forsythe a creare coreografie per il Ballet Frankfurt, mentre nel 1999 ha realizzato Le Sacre du printemps per il Bayerisches Staatsballett di Monaco e nel 2000 ha lavorato con il Netherland Dance Theatre. Nel febbraio del 2003 gli viene commissionata una nuova coreografia, AIR da parte del Ballet de l’Opéra National de Paris. Per il Ballet du Grand, Théâtre de Genève, ha creato Para-Dice nel 2002 e Vacant nel maggio 2006. Nel 2010 il Teatro La Fenice di Venezia gli ha commissionato regia, scene e costumi dell’opera Dido and Aeneas. A Milano si è esibito al Triennale Milano Teatro e al Teatro alla Scala. Ha suscitato l’attenzione della critica internazionale nel campo delle arti visive grazie a installazioni, film e video, oltre che per i progetti di scenografia, luci e costumi che realizza per le sue creazioni. Il senso della composizione, la padronanza dello spazio e i suoi decisi movimenti di danza creano un universo artistico unico. Dal 2006 al 2013 è stato professore alla St. Paul’s (Rikkyo) University in Giappone, dove insegna presso il dipartimento di Expression Studies. Dal 2014 è professore alla Tama Art University. Nel 2013 ha inaugurato il proprio spazio di creazione KARAS APPARATUS nel quartiere Ogikubo di Tokyo. I suoi lavori hanno ottenuto diversi premi prestigiosi in Giappone e nel mondo, tra i quali il Bessie Award (The New York Dance and Performance Awards) nel 2007 e la Medaglia d’Oro dell’Imperatore nel 2009. Nel 2017 è stato nominato Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres dal Ministero della Cultura francese. È stato ospite della stagione 2018/2019 di Triennale Milano Teatro con SHE, solo scritto ad hoc per Rihoko Sato e da lei interpretato.

Rihoko Sato è entrata nella compagnia Karas nel 1995. Da allora, ha preso parte come interprete a tutte le produzioni, oltre ad aver assistito Saburo Teshigawara nelle sue creazioni. È riconosciuta come una delle figure centrali dell’universo creativo del grande coreografo giapponese. Ha seguito i progetti educativi di KARAS e S.T.E.P (Saburo Teshigawara Educational Project) e ha assistito Teshigawara in qualità di maître de ballet in occasione di produzioni commissionate da altre compagnie. Ha ricevuto, tra i numerosi riconoscimenti, il Best Dancer Award (per il passo a due con Vaclav Kunes Scream and Whisper) a Cannes per Les Étoiles de Ballet 2000 nel 2005, il Japan Dance Forum Award nel 2007 e il Premio Positano Léonide Massine per la Danza nel 2012.

st-karas.com

28 novembre-01 dicembre 2019

giovedì-sabato ore 20.00

domenica ore 16.00

Triennale Milano Teatro

Riccardo Goretti, Stefano Cenci, Colapesce Italia

Stanno tutti male - uno studio collettivo sull'infelicità individuale

di, con: Riccardo Goretti, Stefano Cenci, Colapesce / direttore dell’allestimento: Roberto Innocenti / assistente all’allestimento: Giulia Giardi / cura della produzione: Camilla Borraccino / ufficio stampa: Cristina Roncucci / foto, video documentazione: Ivan D’Alì / progetto grafico, editing: Francesco Marini / direttore di scena, macchinista: Marco Mencacci / audio, luci: Francesco Baldi / soluzioni sceniche: Rocco Berlingieri / produzione: Teatro Metastasio di Prato, laCoz / durata: 75 minuti

Dopo il debutto a Prato a fine gennaio, arriva a Milano per la prima volta nella stagione di Triennale Milano Teatro uno degli esperimenti più curiosi realizzati quest’anno in Italia: Stanno tutti male, ironica parafrasi del titolo di una delle pellicole più celebri firmate dal regista italiano Giuseppe Tornatore, è un lavoro a sei mani firmato dal drammaturgo Riccardo Goretti (già membro fondatore della compagnia toscana Gli Omini) e dal regista ed attore Stefano Cenci insieme al cantautore siciliano Colapesce, indicato da più parti come uno dei legittimi eredi della più alta tradizione cantautorale italiana. Ed è proprio da un verso di una canzone dell’autore di Egomostro che nasce in Goretti l’idea - subito condivisa con Cenci e successivamente con lo stesso cantante - di uno "studio collettivo sull'infelicità individuale": viviamo in una società schizofrenica nella quale se non si soffre, se non si sta male, è segno che non ci si è impegnati abbastanza, che non si sta dando il massimo. Allo stesso tempo, la società ci richiede di mantenere obbligatoriamente la forma per essere al passo coi tempi, aggiornati su tutto, pronti a sfoggiare ironia e sarcasmo. La forma della sofferenza viene così condensata in una sorta di party continuo, un disimpegnato frullatore di tutti e tutto, in cui stiamo tutti a fotografare i nostri sorrisi, le nostre gite, le nostre pietanze, preda di questo zapping intimo e personale in cui non riusciamo neppure più a dire se stiamo bene o stiamo male. Da qui nasce nel trio l’idea di lanciare un grande sondaggio online, chiedendo ai propri followers di raccontare il proprio "star male" per poi costruire, intorno a questi racconti, una drammaturgia collettiva, da restituire live in una scena trasformata in una sorta di tragicomico karaoke bar. Perché, come diceva Voltaire, «tutto ciò che è troppo stupido per essere detto, viene cantato». Dietro l’apparenza ironica e scanzonata dello spettacolo, emergono però domande tutt’altro che futili: la nostra società sta bene o sta male? E qual è il termine di paragone di questo stare bene o male? Quale è la scala del bene e del male? E i singoli individui stanno bene o male? È poi possibile che stiano bene gli individui di una società che sta male? E viceversa? E poi, in fondo, è mai stato diverso? «A queste domande - spiegano le note di regia - non ci interessa tanto dare una risposta. Noi ci sentiamo più che altro dei ritrattisti, anzi forse caricaturisti, ci interessa farne un affresco, dando voce a questo benedetto uomo contemporaneo, sentire in cosa crede, di cosa ha paura, cosa lo fa stare bene e cosa male e possibilmente riderne, riderne molto, smisuratamente. Perché c’è davvero bisogno per tutti - checché se ne dica - di ridere come bambini, anche senza motivo, di riderci addosso, perché alla fine, si vede… stanno tutti male.»

Lorenzo Urciullo (aka Colapesce) è uno dei talenti più fulgidi e liberi della nuova scena italiana. I tre album, editi a suo nome, hanno riscosso i favori di pubblico e critica (Un meraviglioso declino, Egomostro e l’ultimo Infedele, prodotto con IOSONOUNCANE e Mario Conte) dimostrando la capacità unica di Colapesce di unire la forma canzone pop più pura con la sperimentazione, anche grazie ad arrangiamenti raffinati, semplici ma anche complessi e mai banali. Dopo aver vinto il Premio Tenco del 2012 per la miglior opera prima con il suo album d’esordio, ha continuato a stupire grazie al suo immaginario sempre in bilico tra raffinata canzone d’autore, pop e sperimentazione. Dopo il successivo lavoro Egomostro, nel 2015, ha scritto insieme ad Alessandro Baronciani la graphic novel La distanza, pubblicata con grande successo da Bao Publishing. Alla pubblicazione è seguito un tour di più di 50 date, molte delle quali sold out, in cui i brani del suo repertorio venivano eseguiti in forma acustica e accompagnati dalle illustrazioni in tempo reale dello stesso Baronciani. Nel 2016 ha messo in piedi lo spettacolo Isola di fuoco, presentato in anteprima al Romaeuropa Festival, dedicato alla sonorizzazione delle immagini del regista Vittorio De Seta, il padre del documentarismo italiano. Per il teatro ha curato le musiche dello spettacolo Vita straordinaria ri Don Giuanni Grasso - Lu grandi atturi ca pattennu ri Catania furriau lu munnu scritto da Marcello Cappelli e Lucia Sardo. Nel 2013 è stato citato dal popolare quotidiano inglese The Guardian come esempio di musica italiana da esportazione. In precedenza era finito su NME come uno dei migliori prodotti pop in lingua non anglofona di Europa. Le Monde gli ha addirittura dedicato una pagina definendolo come il più credibile erede di Lucio Dalla e Franco Battiato, inserendo Egomostro tra i migliori dischi del 2015. Dopo un fortunato tour europeo accompagnato solo dalla sua chitarra, l’11 gennaio del 2019, per celebrare i vent’anni dalla scomparsa di Fabrizio De André, è stata pubblicata da Sony Legacy la sua cover di Canzone dell’amore perduto per cui è stato anche realizzato un video girato da Giacomo Triglia. Lo scrittore Francesco Pacifico, su IL de Il Sole 24 Ore, lo ha definito recentemente “una specie di David Byrne siciliano”.

Riccardo Goretti, classe 1979, attore, scrittore, drammaturgo e musicista, laureato in Storia del Teatro all'Università di Firenze. Dopo alcuni anni di formazione nel teatro ragazzi (2000-2005), si affaccia al mondo del teatro contemporaneo con la compagnia Gli Omini, da lui ideata e fondata insieme a Luca Zacchini e Francesco Rotelli, coi quali è finalista al Premio Scenario nel 2007 e vincitore al Contest del Teatro della Tosse di Genova l'anno successivo. Nel 2010-11 collabora con il regista tre volte Premio Ubu Massimiliano Civica per lo spettacolo Un sogno nella notte dell'estate, prodotto da Romaeuropa Festival e Teatro Stabile dell'Umbria. Dal 2012 si distacca definitivamente dalla compagnia Gli Omini per seguire un percorso artistico personale. Annunziata detta Nancy, il suo primo monologo, prodotto da Kilowatt Festival, totalizza oltre 100 repliche complessive. Dal 2013 al 2015 collabora con tutte le realtà più importanti del teatro toscano (Teatro Metasasio Stabile della Toscana, Fondazione Toscana Spettacolo, Titivillus/Teatro dei Fondi/Festival Contemporanei Scenari, Armunia Festival Inequilibrio ecc...). Dal 2016/17 lavora con la regista e drammaturga Premio Ubu Lucia Calamaro, con la quale porta in scena La Vita Ferma – sguardi sul dolore del ricordo. Lo spettacolo, acclamato dai più importanti critici italiani, parte in seguito per una tournée italiana e mondiale, e viene rappresentato tra gli altri al Cena Brasil Internacional di Rio de Janeiro e all'Odéon Théâtre de L'Europe di Parigi. Negli stessi anni, il suo monologo Gobbo a Mattoni e soliloquio a due voci su 50 anni di cultura popolare, prodotto dall'Arci Toscana, vince il Festival Inventaria a Roma. Goretti è anche formatore teatrale: tiene un corso di recitazione attiva e drammaturgia allo spazio occupato Zappa!, fucina artistica pratese, e numerosi workshop in giro per l'Italia. Tra le sue pubblicazioni di narrativa e saggistica ricordiamo: Manuale Pratico per non impazzire (Cult Editore, con una prefazione inedita dell'amico e collega Antonio Rezza), That's all, folks! (Firenze Leonardo edizioni), Le novelline dadaiste (illustrato dall'artista internazionale Edoardo Nardin).

riccardogoretti.com

Stefano Cenci, autore, regista e attore, diplomato nel 1997 alla Scuola di Teatro di Bologna “Galante Garrone”. Ha collaborato continuativamente con istituzioni teatrali tra cui il Teatro Due-Stabile di Parma, l’Arena del Sole-Stabile di Bologna e il Teatro Comunale di Bologna, approdando infine alla Compagnia della Fortezza diretta da Armando Punzo (come assistente alla regia ed attore, seguendo le tournée nazionali ed internazionali degli spettacoli della compagnia). Nel 2004, lo spettacolo I Pescecani di Armando Punzo, di cui è voce principale, vince il Premio Ubu come miglior spettacolo. Nel 2010 un altro spettacolo di Punzo che lo vede protagonista, Alice - Saggio sulla fine di una civiltà, vince il premio UBU come miglior regia. Negli stessi anni partecipa alle tournée internazionali degli spettacoli dei Tony Clifton Circus. Nel 2010 debutta a Volterra Teatro Festival il suo spettacolo Ofelia 4e48 (Ofelia in quattro e quattr’otto) con Elisa Lolli, struggente e allo stesso tempo esilarante riscrittura di 4.48 Psychosis di Sarah Kane. Nel 2012 debutta Lo spettacolo Del Bene, Del Male, scritto, diretto e interpretato da Stefano Cenci, con la Compagnia Tardito/Rendina, un coinvolgente progetto di rito rinnovato con un cast di oltre 70 elementi, ospiti a sorpresa e musicisti dal vivo che si rinnova ogni volta, traendo materiale poetico ed umano dal contesto ospitante. Dal 2002 conduce laboratori di Teatro Creativo, intensivi e permanenti, aperti a professionisti e amatori, da questi laboratori nascono le sue creazioni, i suoi testi teatrali, i suoi spazi di ricerca teatrale. Dal 2007 è direttore artistico del Festival di Musica Indipendente, Teatro di Innovazione, cortometraggi e performances, e di Arti Vive Habitat, Stagione di Teatro di Innovazione, Musica Indipendente e Cinema d’Essai a Soliera (Modena).

stefanocenci.net

11-14 dicembre 2019

ore 20.00

Triennale Milano Teatro

Alessandro Serra Italia

Macbettu

di: Alessandro Serra / tratto da: Macbeth di William Shakespeare / con: Fulvio Accogli, Andrea Bartolomeo, Leonardo Capuano, Andrea Carroni, Giovanni Carroni, Maurizio Giordo, Stefano Mereu, Felice Montervino / traduzione in sardo, consulenza linguistica: Giovanni Carroni / collaborazione ai movimenti di scena: Chiara Michelini / musiche pietre sonore: Pinuccio Sciola / composizioni pietre sonore: Marcellino Garau / regia, scene, luci, costumi: Alessandro Serra / produzione: Sardegna Teatro, Compagnia Teatropersona / con il sostegno di: Fondazione Pinuccio Sciola | Cedac Circuito Regionale Sardegna

spettacolo in sardo sovratitolato in italiano

durata: 90 minuti

Torna a Triennale Milano Teatro uno degli spettacoli più acclamati e premiati delle ultime stagioni, vincitore dei più importanti riconoscimenti nazionali (Premio Ubu per il miglior spettacolo dell’anno, Premio ANCT - Associazione Nazionale della Critica Teatrale) e protagonista tra il 2018 e il 2019 di una lunghissima tournée internazionale che, dopo aver toccato l’Italia e diverse nazioni europee (dalla Francia alla Georgia, dalla Svizzera alla Serbia), si è spinta in Argentina e in Giappone registrando ovunque unanimi consensi. Macbettu è un’originale e intensa rivisitazione del capolavoro shakespeariano: una proposta visionaria e audace, diretta dallo straordinario talento di Alessandro Serra, che lavora sul linguaggio e la gestualità trasponendo il Macbeth nel cuore di un’immaginaria Barbagia. Il testo shakespeariano viene recitato in sardo e, come nella più pura tradizione elisabettiana, è interpretato da soli uomini. Il progetto di Serra, regista e fondatore della Compagnia Teatropersona, nasce da un reportage fotografico tra i carnevali della Barbagia, durante il quale emersero sorprendenti analogie tra il Macbeth e i riti e le maschere della Sardegna: i suoni cupi prodotti da campanacci, le pelli, le corna, le maschere fosche, e poi il sangue, il vino, le forze della natura domate dall’uomo. In questi riti la potenza dei gesti e della voce è dirompente, la dimensione dionisiaca si associa a un’incredibile precisione formale nelle danze. Così, nella messa in scena dello spettacolo la lingua sarda trasforma in canto ciò che in italiano rischierebbe di restare confinato alla sfera letteraria. Lo spazio scenico è attraversato dai corpi degli attori, che disegnano luoghi ed evocano presenze, materia che non veicola significati, ma forze primordiali che agiscono su chi le riceve.

Alessandro Serra si avvicina al teatro attraverso gli esercizi di trascrizione per la scena delle opere cinematografiche di Ingmar Bergman. Si forma come attore a partire dallo studio delle azioni fisiche e dei canti vibratori nel solco della tradizione di Grotowski per poi arrivare alle leggi oggettive del movimento di scena trascritte da Mejerchol’d e Decroux. Integra la sua formazione teatrale con le arti marziali che pratica sin da giovanissimo. Nel frattempo si laurea in Arti e Scienze dello Spettacolo all’Università la Sapienza di Roma con una tesi sulla drammaturgia dell’immagine. Fondamentale, negli ultimi anni di formazione, l’incontro con Yves Lebreton e il suo metodo del Teatro Corporeo. Nel 1999 fonda la Compagnia Teatropersona, con la quale comincia a mettere in scena le proprie creazioni che scrive e dirige, curandone le scene, i costumi, le luci e i suoni. Tra il 2006 e il 2011 il lavoro di ricerca sulla scena come puro fatto materico si concretizza nella creazione di una “trilogia del silenzio” (composta dagli spettacoli Beckett Box, Trattato dei Manichini e AURE), in cui la drammaturgia è praticata quale vero e proprio espianto di aure dalle opere letterarie di Samuel Beckett, Bruno Schulz e Marcel Proust. Nel 2009 crea la sua prima opera per l'infanzia, Il Principe Mezzanotte, presentato in oltre duecento repliche in Italia e all'estero. Nel 2013 crea Il Grande Viaggio opera tout public dedicata al tema dell’immigrazione. Nel 2015 la ricerca teatrale si accosta al linguaggio della danza e, con il sostegno della Fondazione Giacometti di Stampa (Svizzera), crea L’ombra della sera, dedicato alla vita e alle opere di Alberto Giacometti. Nello stesso anno, in collaborazione con gli attori della compagnia Accademia Arte della diversità di Bolzano crea H+G. Nel 2017 ritorna al teatro di prosa e in collaborazione con Sardegna Teatro crea Macbettu: undicesimo spettacolo realizzato insieme alla compagnia, il lavoro si aggiudica nello stesso anno - tra gli altri - il Premio Ubu per il migliore spettacolo dell'anno e il Premio ANCT 2017 (Associazione Nazionale dei Critici di Teatro). Con Teatropersona ha portato in tournée i propri spettacoli in Italia, Francia, Svizzera, Corea, Russia, Spagna, Bulgaria, Polonia, Germania.

teatropersona.it

18-21 dicembre 2019

ore 20.00

Triennale Milano Teatro

Alessandro Serra Italia

Il giardino dei ciliegi

di: Anton Čechov / regia: Alessandro Serra / con: Arianna Aloi, Andrea Bartolomeo, Leonardo Capuano, Marta Cortellazzo Wiel, Massimiliano Donato, Chiara Michelini, Felice Montervino, Fabio Monti, Massimiliano Poli, Valentina Sperlì, Bruno Stori, Petra Valentini / drammaturgia, scene, luci, costumi: Alessandro Serra / consulenza linguistica: Valeria Bonazza, Donata Feroldi / realizzazione scene: Laboratorio Scenotecnico Pesaro / direzione tecnica, tecnico della scena: Giuliana Rienzi / tecnico della luce: Stefano Bardelli / tecnico del suono: Giorgia Mascia / collaborazione ai costumi: Bàste / attrezzista: Serena Trevisi Marceddu / organizzazione, distribuzione: Danilo Soddu / produzione: Sardegna Teatro, Accademia Perduta Romagna Teatri, Teatro Stabile del Veneto, TPE - Teatro Piemonte Europa, Printemps des Comediéns / coproduzione: Compagnia Teatropersona, Triennale Milano Teatro

durata: 170 minuti (con intervallo)

A meno di un mese dalla prima nazionale di Cagliari (dopo l’anteprima all’ultima Biennale Teatro di Venezia) e a pochi giorni dalla riproposta del suo pluripremiato Macbettu, arriva a Triennale Milano Teatro il nuovo lavoro del regista rivelazione del teatro italiano, Alessandro Serra. In una stagione dedicata ai classici non poteva mancare quello che è considerato il classico per antonomasia del teatro del novecento: Il giardino dei ciliegi è l’ultima opera scritta per la scena da Čechov, ed è stato il banco di prova di alcuni dei più grandi maestri della regia del secolo scorso, da Charles Laughton e Peter Brook a Giorgio Strehler.

Per l’occasione Serra, che cura ancora una volta anche la drammaturgia, le scene, i costumi e le luci dello spettacolo, porta in scena un cast di 12 attori. Il giardino dei ciliegi si apre e si chiude in una stanza speciale, ancora oggi chiamata stanza dei bambini: tra poco arriveranno i padroni, che hanno viaggiato molto, vissuto e dissipato la loro vita, bambini invecchiati che tornano a casa. Tuttavia il sentimento che pervade l’opera non ha a che fare con la nostalgia o i rimpianti ma con qualcosa di indissolubilmente legato all’infanzia, come certi organi misteriosi che possiedono i bambini e che si atrofizzano in età adulta.Del resto non c’è trama, non accade nulla, perché tutto è già nei personaggi: Il giardino dei ciliegi è una partitura per anime in cui i dialoghi sono monologhi interiori che si intrecciano e si attraversano come un unico respiro, un’unica voce. Un valzerino allegro in una commedia intessuta di morte, dove la comicità garbata, mai esibita, dell’autore russo fa da perfetto contrappunto ad un’opera spietata e poetica: i personaggi ridono e si commuovono spesso, ma ciò non significa che si debba piangere davvero, è piuttosto «uno stato d’animo - scrive Čechov in una lettera - che deve trasformarsi subito dopo in allegria». Velando di lacrime gli occhi dei suoi personaggi Čechov suggerisce la visione sfocata della realtà sensibile, una realtà spogliata dai contorni: come i vetri delle vecchie case, opachi, deformi, pieni di impurità fornivano una versione estetica della vita oltre la finestra, così le lacrime agli occhi erodono le forme, tanto che a un certo punto non si sa più chi è che parla, se una voce proveniente da un’altra stanza o noi stessi con le parole di un altro. La scrittura stessa agevola questo dissolversi del centro e del focus: l’opera è cosparsa di piccoli impedimenti e fraintendimenti, anche linguistici, rotture sintattiche, pianti, canti, apnee, russamenti, borbottii e filastrocche, suoni che richiamano altri suoni, altri significati.

Alessandro Serra si avvicina al teatro attraverso gli esercizi di trascrizione per la scena delle opere cinematografiche di Ingmar Bergman. Si forma come attore a partire dallo studio delle azioni fisiche e dei canti vibratori nel solco della tradizione di Grotowski per poi arrivare alle leggi oggettive del movimento di scena trascritte da Mejercho’ld e Decroux. Integra la sua formazione teatrale con le arti marziali che pratica sin da giovanissimo. Nel frattempo si laurea in Arti e Scienze dello Spettacolo all’Università la Sapienza di Roma con una tesi sulla drammaturgia dell’immagine. Fondamentale, negli ultimi anni di formazione, l’incontro con Yves Lebreton e il suo metodo del Teatro Corporeo. Nel 1999 fonda la Compagnia Teatropersona, con la quale comincia a mettere in scena le proprie creazioni che scrive e dirige, curandone le scene, i costumi, le luci e i suoni. Tra il 2006 e il 2011 il lavoro di ricerca sulla scena come puro fatto materico si concretizza nella creazione di una “trilogia del silenzio” (composta dagli spettacoli Beckett Box, Trattato dei Manichini e AURE), in cui la drammaturgia è praticata quale vero e proprio espianto di aure dalle opere letterarie di Samuel Beckett, Bruno Schulz e Marcel Proust. Nel 2009 crea la sua prima opera per l'infanzia, Il Principe Mezzanotte, presentato in oltre duecento repliche in Italia e all'estero. Nel 2013 crea Il Grande Viaggio opera tout public dedicata il tema dell’immigrazione. Nel 2015 la ricerca teatrale si accosta al linguaggio della danza e con il sostegno della Fondazione Giacometti di Stampa (Svizzera) crea L’ombra della sera, dedicato alla vita e alle opere di Alberto Giacometti. Nello stesso anno, in collaborazione con gli attori della compagnia Accademia Arte della diversità di Bolzano crea H+G. Nel 2017 ritorna al teatro di prosa e in collaborazione con Sardegna Teatro crea Macbettu: undicesimo spettacolo realizzato insieme alla compagnia, il lavoro si aggiudica nello stesso anno - tra gli altri - il Premio Ubu per il Migliore Spettacolo dell'anno e il Premio ANCT 2017 (Associazione Nazionale dei Critici di Teatro). Con Teatropersona ha portato in tournée i propri spettacoli in Italia, Francia, Svizzera, Corea, Russia, Spagna, Bulgaria, Polonia, Germania.

teatropersona.it

23-25 gennaio 2020

ore 20.00

Triennale Milano Teatro

OHT Italia

con la collaborazione dell’Orchestra Sinfonica Giuseppe Verdi di Milano

CURON / GRAUN

spettacolo di: OHT | Office for a Human Theatre, Fondazione Haydn Stiftung / con: Orchestra Sinfonica di Milano Giuseppe Verdi / musica di Arvo Pärt (Fratres per quartetto d’archi, Fratres per archi e percussione, Fratres per violino, archi e percussione, Cantus in memoriam Benjamin Britten) / idea: Filippo Andreatta, Paola Villani / regia: Filippo Andreatta / set-design: Paola Villani / light-design: William Trentini / riprese, montaggio video: Armin Ferrari / assistenza allestimento: Massimiliano Rassu / produzione: Laura Marinelli / promozione internazionale: Laura Artoni / collaborazione grafica: Letizia Tempesta Filisetti / decorazione: Nadia Simeonkova, Silvano Brugnara / produzione: Orchestra Haydn di Bolzano e Trento | Haydn Orchester von Bozen und Trient / coproduzione: OHT, Centrale Fies / progetto vincitore OPER.A 20.21 FRINGE / Editore Universal Edition AG / Rappresentante per l’Italia Casa Ricordi, Milano

durata: 50 minuti

OHT arriva a Milano per presentare il suo lavoro di maggior successo, applaudito dalla critica e molto amato dal pubblico. In CURON / GRAUN, Filippo Andreatta sceglie di confrontarsi per la prima volta con il teatro musicale ispirandosi alla musica di Arvo Pärt, affrontando l’ambiguo e sempre irrisolto rapporto fra l’uomo e il paesaggio. Al centro del lavoro, e della scena, la vicenda dell’omonimo paese altoatesino sommerso dalle acque nel 1950: in quell’anno la costruzione di una grande diga unificò infatti il lago di Resia e il lago di Mezzo sommergendo 523 ettari di terreno coltivato e 163 case dell'antico abitato di Curon in Val Venosta. La costruzione del più grande bacino idrico dell’Alto-Adige - lungo sei chilometri e largo uno nel punto di massima apertura - fu inesorabile, nonostante le vive proteste (una delegazione sudtirolese si rivolse addirittura a Papa Pio XII per scongiurare la realizzazione dell'opera), e coinvolse migliaia di operai che scavarono 35 chilometri di tunnel sotterranei, utilizzando 1.500.000 quintali di cemento, 10.000 tonnellate di ferro e 800 tonnellate di esplosivo (per la prima volta in Italia venne usata la nitroglicerina per radere al suolo il centro abitato di Curon e parzialmente quello di Resia, che vennero ricostruiti in posizioni più elevate). In CURON / GRAUN, il testo e le immagini filmate si mescolano con la performance live immergendo il pubblico in un’esperienza epifanica e ipnotica, dove il campanile della chiesa del paese sommerso di Curon diventa l’unico protagonista del palco insieme ai musicisti dell’Orchestra Sinfonica Giuseppe Verdi di Milano. In linea con le sfumature politiche degli ultimi spettacoli di OHT, questa nuova produzione teatrale ritrae un paese affogato, dove il suono della campana - tipico dello stile “tintinnabuli” di Arvo Pärt (dal latino tintinnabulum, "una campana" appunto) - fa emergere con veemenza le forze invisibili del paesaggio alpino. L’azione scenica, nello spazio privo di attori, parte dal silenzio e dai rintocchi fantasma del campanile di Curon per connettere lo spettatore a una rinnovata struttura narrativa del teatro musicale. Una narrazione rallentata, i cui parametri non sono familiari e rientrano nel dominio del sacro che Pärt ha esplorato a fondo nella sua opera. Così, l’evacuazione coatta del piccolo paese di Curon nel 1950 diventa l’espediente narrativo per utilizzare solo testo e immagini come unici elementi scenici, nel tentativo di riavvicinare il teatro alla sua radice più profonda, quella di comunicare attraverso l’immobilità e il silenzio.

Nato l’11 settembre 1935 a Paide, Arvo Pärt è un compositore estone noto per la sua musica sacra. Dopo un primo periodo di studio della musica dodecafonica, nel 1971 Arvo Pärt entra in silenzio contemplativo dedicandosi esclusivamente allo studio della musica sacra e gregoriana con particolare attenzione al periodo medioevale e rinascimentale. Dopo sei anni, nel 1977, interrompe il suo silenzio con un genere musicale che lo contraddistingue: il “tintinnabuli”, ovvero un suono simile a una campana. I maggiori lavori di questo periodo sono Tabula Rasa, Cantus in memoriam Benjamin Britten, Spiegel im Spiegel e Fratres. Da questo momento Arvo Pärt è considerato uno dei pionieri del minimalismo e del minimalismo sacro, seppur lui non si sia mai definito un minimalista, e le sue composizioni affascinano il mondo intero. Seguono numerose onorificenze internazionali: nel dicembre del 2011 Papa Benedetto XVI lo investe del titolo di Membro del Pontificio Consiglio della Cultura, mentre nel 2016, l’Università di Oxford lo elegge Dottore Onorario in Musica.

arvopart.ee

Fondata da Filippo Andreatta nel 2008, OHT (Office for a Human Theatre) indaga la realtà e la sua rappresentazione senza vincoli formali, disciplinari ed emotivi. La compagnia ha collaborato con istituzioni nazionali e internazionali quali, tra le altre, il Centro S.Chiara di Trento per lo spettacolo Debolezze (2016), l’Office National Diffusion Artistique francese per l’Artists’ Salon di New York City (2016), Triennale Milano Teatro per Una Minuta Retrospettiva dedicata agli spettacoli di OHT (2015), la Albers Foundation (USA) per un progetto teatrale su Josef Albers (2015), la Whitechapel Gallery di Londra (UK) per la video installazione buzz (2014), il MAXXI Museo delle arti del XXI secolo di Roma per lo spettacolo Delirious New York (2014), l’IIC di Vienna (AT) per lo spettacolo autoritratto con due amici (2013). Centrale Fies e MART - Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto, sono stati e sono frequenti partner dei vari progetti menzionati e di altri ancora, sia per produzioni sia per debutti.

oht.art

Fondata nel 1993 da Vladimir Delman, l’Orchestra Sinfonica di Milano Giuseppe Verdi sin dai suoi esordi si impone a Milano e in tutta la Lombardia come punto di riferimento imprescindibile per il repertorio sinfonico. Sede dei primi concerti è la Sala Verdi del Conservatorio di Milano per poi passare al Teatro Lirico fino al 6 ottobre 1999 quando viene inaugurata, con la Sinfonia n. 2 Resurrezione di Mahler diretta da Riccardo Chailly, la nuova sede stabile dell’Orchestra, l’Auditorium di Milano Fondazione Cariplo. Dal 1999 ad oggi sul podio della Verdi si sono susseguiti tre direttori musicali di altissimo prestigio e fama internazionale: Riccardo Chailly, Xian Zhang, Claus Peter Flor. Accanto a loro, l’Orchestra ha ospitato alcune delle più prestigiose bacchette della seconda metà del Novecento, da Carlo Maria Giulini, Peter Maag, Georges Prêtre a Vladimir Fedoseyev, Helmut Rilling, Patrick Fournillier e Riccardo Muti. Tra i solisti ospiti, protagonisti di memorabili concerti, si distinguono Martha Argerich, Aldo Ceccato, Tibor Varga, Steven Isserlis, Lilya Zilberstein, Kolja Blacher e Yefim Bronfman. Impegnata nella stagione sinfonica realizzata ogni anno nella sua sede milanese, di sovente l’Orchestra è invitata a suonare in Italia e all’estero (Svizzera, Francia, Germania, Inghilterra, Russia, Giappone e Kuwait). Tra le esibizioni di prestigio si distinguono i quattro concerti in presenza di Sua Santità Benedetto XVI; il concerto straordinario per il 150° anniversario dell’Unità d’Italia e per la ricorrenza delle Cinque Giornate di Milano, alla presenza del Presidente della Repubblica Giorgio Napolitano; l’esecuzione alla Scala di Milano del War Requiem di Britten per il decimo anniversario dell’11 settembre con Orchestra, Coro sinfonico e il Coro di Voci Bianche diretti da Zhang Xian. Parallelamente all’attività concertistica l’Orchestra ha sviluppato un’intensa attività discografica, spaziando dal repertorio verdiano e rossiniano al sinfonismo romantico e russo.

laverdi.org

31 gennaio-01 febbraio 2020

ore 20.00

Triennale Milano Teatro

mk Italia

Bermudas

in collaborazione con MilanOltre Festival

(cast variabile) con: Philippe Barbut, Biagio Caravano, Marta Ciappina, Andrea Dionisi, Sebastiano Geronimo, Luciano Ariel Lanza, Giovanni Leone, Flora Orciani, Annalì Rainoldi, Laura Scarpini, Loredana Tarnovschi, Alice Cheophe Turati, Francesca Ugolini / ideazione e coreografia: Michele Di Stefano / musica: Kaytlin Aurelia Smith, Juan Atkins/Moritz Von Oswald, Underworld / luci: Giulia Broggi in collaborazione con Cosimo Maggini / meteo: Antonio Rinaldi / custom styling: Marco Mazzoni / consulenza matematica: Damiano Folli / organizzazione: Carlotta Garlanda / coproduzione: mk e Bolzano Danza/Tanz Bozen / in collaborazione con: AMAT Civitanova Casa della Danza, Residance/DanceHaus PIù Milano, Dialoghi - residenze delle arti performative a Villa Manin Udine, Una diversa geografia/Villa Pravernara Valenza, AngeloMai Roma, L’ Arboreto – Teatro Dimora di Mondaino / con il contributo di: Regione Lazio - Assessorato alla Cultura e Politiche Giovanili, MIBAC

durata: 45 minuti

Ospite fisso della programmazione di Triennale Milano Teatro, il collettivo fondato e diretto dal Leone d’argento Michele Di Stefano insieme a Biagio Caravano è tra i protagonisti indiscussi della scena coreografica nazionale. Spettacolo vincitore del Premio Danza&Danza come miglior produzione italiana 2018, già nella terna finalisti del Premio Ubu, Bermudas è un lavoro pensato per un numero variabile di interpreti (da tre a tredici), intercambiabili tra loro: un sistema di movimento basato su regole semplici e rigorose che producono un moto perpetuo, adottabile da ogni performer come una condizione per esistere accanto agli altri e costruire un mondo ritmicamente condiviso. Il lavoro è ispirato dalle teorie del caos, dalla generazione di insiemi complessi a partire da condizioni semplici, dai sistemi evolutivi della fisica e della meteorologia. Il risultato finale tende alla costruzione di un luogo carico di tensione relazionale, un campo energetico molto intenso (a cui il nome Bermudas fa ironicamente riferimento) attraversato da una spinta alla comunicazione immediata, necessaria per generare uno spazio sempre accessibile a qualunque nuovo ingresso. Lo spettacolo è costruito per essere un sistema inclusivo e permeabile; ogni apertura al pubblico si trasforma dunque in una finestra aperta su uno dei possibili cast, ma anche sull’unico obiettivo del lavoro: la costruzione di una danza che permetta continuamente alla danza dell’altro di trovare spazio. L’impianto coreografico dipende in maniera cruciale dalle caratteristiche singolari dei performer: immettere punti di vista differenti sull’uso dello spazio, la prossemica tra i corpi o il modo in cui viene percepita l’attività di danza in un rituale collettivo, trasforma immediatamente la coreografia in un progetto di incontro e mediazione tra individui che possono essere i più disparati e i più lontani tra loro per attitudine, organizzazione gestuale e intensità espressiva.

Fondato nel 1999 da Michele Di Stefano e Biagio Caravano, mk è una delle formazioni di punta della coreografia italiana ed internazionale. mk si occupa di coreografia e performance e ruota intorno ad un nucleo originario di artisti in dialogo con altre discipline. Il gruppo è stato da subito ospite regolare di festival di rilievo sia in Italia che all’estero (Giappone, Gran Bretagna, Germania, Indonesia, Stati Uniti, Spagna, Portogallo, Francia, Perù). Tra le produzioni più recenti di mk ricordiamo Parete Nord, presentato lo scorso aprile all’interno della seconda edizione di FOG Triennale Milano Performing Arts; Robinson, in collaborazione con l’artista visivo Luca Trevisani (2014), presentato a Triennale Milano Teatro nella stagione 2017-2018; Veduta (2016), presentato presso e in collaborazione con Fondazione Giangiacomo Feltrinelli durante la prima edizione di FOG, con il quale il gruppo inizia un’inedita indagine immersiva sul paesaggio. Nel 2015 MilanOltre dedica alla compagnia una retrospettiva dei lavori più recenti, tra i quali il riallestimento di Giuda e il debutto di Hey, in collaborazione con il duo Sigourney Weaver. Vincitore del Premio Danza&Danza nel 2000, nel 2014 Michele Di Stefano riceve il Leone d’argento per l’innovazione nella danza alla Biennale di Venezia e nel 2018 il Premio Nico Garrone.

mkonline.it

11-12 febbraio 2020

ore 20.00

Triennale Milano Teatro

Tiago Rodrigues Portogallo

By Heart

scritto e interpretato da: Tiago Rodrigues / testo con frammenti e citazioni di: William Shakespeare, Ray Bradbury, George Steiner, Joseph Brodsky e altri / scene, oggetti, costumi: Magda Bizarro / traduzione in inglese: Tiago Rodrigues, rivista da Joana Frazão/ produzione della prima versione: Magda Bizarro, Rita Mendes / produzione: Teatro Nacional D. Maria II a partire da una versione della compagnia Mundo Perfeito / coproduzione: O Espaço do Tempo, Maria Matos Teatro Municipal / lavoro realizzato con il sostegno di Governo de Portugal | DGArtes

Spettacolo in inglese sovratitolato in italiano / lo spettacolo include parti improvvisate non tradotte / durata: 90 – 120 minuti

Doppia presenza all’interno della nuova stagione di Triennale Milano Teatro per uno dei più dirompenti ed acclamati autori e registi del teatro internazionale, vincitore del prestigioso Premio Europa nel 2018 e amatissimo da pubblico e critica. In By heart (A memoria) spettacolo-rivelazione dell’artista portoghese, Tiago Rodrigues insegna una poesia a dieci persone che non hanno mai visto la performance in precedenza e non hanno idea di quale testo dovranno imparare a memoria di fronte al pubblico. Mentre insegna loro, Rodrigues mescola al racconto una serie di aneddoti legati alla propria biografia: la nonna ormai semicieca e le storie di scrittori e personaggi di libri che sono, in qualche modo, legati sia alla nonna che a lui stesso. I libri sono lì, in scena, dentro cassette da frutta in legno: così, man mano che ogni coppia di versi viene insegnata, emergono improbabili connessioni che uniscono il premio Nobel Boris Pasternak, un cuoco del nord del Portogallo, un programma tv olandese intitolato Beauty and Consolation e il mistero dietro la scelta della poesia viene infine lentamente svelato. Vera e propria esercitazione di resistenza, che arriva al termine solo quando i dieci novelli “soldati” arrivano a padroneggiare la poesia a memoria, By heart è un lavoro sull’importanza della trasmissione, dell’invisibile traffico clandestino di parole e di idee che solo mantenere un testo nella propria memoria può fornire. Ma è anche una riflessione sul teatro, che riconosce se stesso in quanto luogo di trasmissione di ciò che non può essere misurato in metri, euro o bytes, e sul nascondiglio sicuro che i testi proibiti hanno sempre trovato nella nostra mente e nei nostri cuori, come estrema garanzia di civilizzazione anche nei tempi più barbari e desolati. Come afferma George Steiner (filosofo e critico letterario francese tra i più influenti del Novecento) in un’intervista per Beauty and Consolation «una volta che 10 persone conoscono a memoria una poesia, non c’è nulla che il KGB, la CIA o la Gestapo possano fare. La poesia sopravviverà».

Vincitore nel 2018 del XV Premio Europa Realtà Teatrali, il più importante riconoscimento europeo di settore, Tiago Rodrigues (1977) è attore, drammaturgo e regista. Il suo teatro sovversivo e poetico lo ha reso uno degli artisti più importanti del Portogallo. Ad appena 21 anni Rodrigues abbandona la scuola di teatro per lavorare con la compagnia belga STAN, con la quale partecipa alla creazione di diverse opere presentandole in 15 paesi: la libertà esperita con il collettivo belga segnerà profondamente il suo lavoro futuro. Nel 2003 fonda insieme a Magda Bizarro la compagnia Mundo Perfeito, con la quale crea e presenta più di 30 performance in più di 20 paesi, diventando una presenza regolare sui prestigiosi palcoscenici del Festival d’Automne di Parigi, del norvegese METEOR Festival, di Theaterformen in Germania, del Festival TransAmériques in Canada e del Kunstenfestivaldesarts di Bruxelles. Come coreografo e danzatore ha collaborato con diverse compagnie portoghesi ed internazionali, così come con coreografi e danzatori. Come insegnante, ha lavorato presso la scuola di danza PARTS, sotto la direzione di Anne Teresa De Keersmaeker, la scuola svizzera di performing arts La Manufacture e ha preso parte al progetto internazionale École des Maîtres. Parallelamente al lavoro teatrale, ha scritto sceneggiature per il cinema e per la televisione, articoli per giornali, poesie e saggi. Le sue performance più recenti gli sono valse grandi riconoscimenti a livello internazionale e numerosi premi in Portogallo e nel mondo: tra questi ricordiamo By Heart (2013), Antony and Cleopatra (2015), Bovary (2014), The way she dies e Sopro (2018). Grazie al suo mix sapiente di storia e fiction e alla sua capacità di riscrittura dei classici, il teatro di Tiago Rodrigues è profondamente radicato in una pratica di lavoro con e per l’attore, sempre alla ricerca di una catarsi poetica della realtà attraverso gli strumenti della scena. Un desiderio che si è concretizzato di recente nel progetto Occupation Bastille (2016), con la simbolica “occupazione artistica” del Théâtre de la Bastille di Parigi da parte di un centinaio di artisti e spettatori. Dal 2015, Tiago Rodrigues è Direttore artistico del Teatro Nacional D.Maria II di Lisbona.

13-14 febbraio 2020

ore 20.00

Triennale Milano Teatro

Tiago Rodrigues Portogallo

Sopro

di: Tiago Rodrigues / con: Beatriz Maia, Cristina Vidal, Isabel Abreu, Marco Mendonça, Romeu Costa, Sara Barros Leitão / cast originale: Beatriz Brás, Cristina Vidal, Isabel Abreu, João Pedro Vaz, Sofia Dias, Vítor Roriz / scene e luci: Thomas Walgrave / costumi: Aldina Jesus / suono: Pedro Costa / assistente alla direzione: Catarina Rôlo Salgueiro/ tecnico luci: Daniel Varela/ produzione: Rita Forjaz / assistente alla produzione: Joana Costa Santos / produzione: Teatro Nacional D. Maria II / co-produzione: ExtraPôle Provence-Alpes-Côte d’Azur, Festival d’Avignon, Théâtre de la Bastille, La Criée Théâtre national de Marseille, Le Parvis Scène nationale Tarbes Pyrénées, Festival Terres de Paroles Seine-Maritime – Normandie, Théâtre Garonne scène européenne, Teatro Viriato/ con il sostegno di: Onda

spettacolo in portoghese sovratitolato in italiano

durata: 105 minuti

Prima italiana

Secondo spettacolo della dilogia dedicata a uno dei più importanti autori del teatro contemporaneo, Sopro è l’ultimo lavoro in ordine di tempo scritto e diretto da Tiago Rodrigues. In un teatro che non è altro che rovina, dove non rimane traccia delle mura, delle scrivanie, delle macchine, delle scenografie, qualcuno è ancora presente, qualcuno che rappresenta i “polmoni” di quel luogo, ma anche il motore del gesto drammatico che lo ha abitato: la suggeritrice. Le voci, i suoni, le musiche che abitualmente dominano la scena fanno un passo indietro e il respiro del teatro stesso, questa presenza che nessuno ascolta, è infine posta per la prima volta al centro della ribalta: guardiana della memoria e della continuità, è una donna che ha speso tutta la sua vita in questo edificio, dove ogni giorno le persone si sono ritrovate e hanno recitato. Questa sera è lei a raccontare le sue storie, tutte prodotto del teatro. In piena luce sotto i riflettori, al centro del palco, Rodrigues sceglie di esporla così alla vista del pubblico, fuori dalla scatola che è la sua “casa”, e convincerla - lei che sulla scena non ha mai avuto altra presenza che uno schioccare di dita - a sussurrare storie di un tempo passato, evocando i personaggi e le vicende che lo hanno percorso: entrando attraverso di lei nell’anima autentica di questo luogo unico che è il teatro, il regista tenta insieme allo spettatore di coglierne il respiro stesso e adottarne il ritmo. In un solo movimento, gli attori cedono le loro voci ai sussurri dei fantasmi che lei sembra convocare. Sul palco, si avvicendano così i dialoghi e le biografie di professionisti del teatro e i loro personaggi: la regista che si innamora dell’attore incapace di imparare a memoria la propria parte, la ragazzina che assiste al primo spettacolo, la diagnosi nefasta alla regista a pochi giorni dalla prima, la vanagloria del direttore che tenta di convincere una suggeritrice a andare in scena – ironico ritratto deformato di sé a opera di Rodrigues. Lavoro visionario e struggente, la forza di Sopro è quella di saperci riportare indietro verso un ‘prima’ sconosciuto e denso di mistero: prima del testo, prima della voce, in una performance prima della performance, nel magico respiro del teatro.

Vincitore nel 2018 del XV Premio Europa Realtà Teatrali, il più importante riconoscimento europeo di settore, Tiago Rodrigues (1977) è attore, drammaturgo e regista. Il suo teatro sovversivo e poetico lo ha reso uno degli artisti più importanti del Portogallo. Ad appena 21 anni Rodrigues abbandona la scuola di teatro per lavorare con la compagnia belga STAN, con la quale partecipa alla creazione di diverse opere presentandole in 15 paesi: la libertà esperita con il collettivo belga segnerà profondamente il suo lavoro futuro. Nel 2003 fonda insieme a Magda Bizarro la compagnia Mundo Perfeito, con la quale crea e presenta più di 30 performance in più di 20 paesi, diventando una presenza regolare sui prestigiosi palcoscenici del Festival d’Automne di Parigi, del norvegese METEOR Festival, di Theaterformen in Germania, del Festival TransAmériques in Canada e del Kunstenfestivaldesarts di Bruxelles. Come coreografo e danzatore ha collaborato con diverse compagnie portoghesi ed internazionali, così come con coreografi e danzatori. Come insegnante, ha lavorato presso la scuola di danza PARTS, sotto la direzione di Anne Teresa De Keersmaeker, la scuola svizzera di performing arts La Manufacture e ha preso parte al progetto internazionale École des Maîtres. Parallelamente al lavoro teatrale, ha scritto sceneggiature per il cinema e per la televisione, articoli per giornali, poesie e saggi. Le sue performance più recenti gli sono valse grandi riconoscimenti a livello internazionale e numerosi premi in Portogallo e nel mondo: tra questi ricordiamo By Heart (2013), Antony and Cleopatra (2015), Bovary (2014), The way she dies e Sopro (2018). Grazie al suo mix sapiente di storia e fiction e alla sua capacità di riscrittura dei classici, il teatro di Tiago Rodrigues è profondamente radicato in una pratica di lavoro con e per l’attore, sempre alla ricerca di una catarsi poetica della realtà attraverso gli strumenti della scena. Un desiderio che si è concretizzato di recente nel progetto Occupation Bastille (2016), con la simbolica “occupazione artistica” del Théâtre de la Bastille di Parigi da parte di un centinaio di artisti e spettatori. Dal 2015, Tiago Rodrigues è Direttore artistico del Teatro Nacional D.Maria II di Lisbona.

28 febbraio 2020

ore 21.30

Triennale Milano Teatro

David August Germania

concerto

DJ e produttore di origini italiane, nato ad Amburgo ma di base a Berlino, David August è una delle più recenti rivelazioni del panorama musicale contemporaneo. La sua musica si muove tra house, R&B, techno, ambient, noir jazz, post-rock ed elettronica anni ’80 con un tocco leggero, raffinato, minimale e introspettivo, riuscendo a donare freschezza a sonorità ormai “note” grazie ad una formazione classica: un bagaglio ricco e stratificato, da cui attinge anche per via dei legami familiari (la madre è natia di Palestrina, un comune in provincia di Roma dove spesso fa ritorno) e che gli consente di stabilire connessioni inaspettate e sorprendenti tra la modernità della sua musica e l’antichità della cultura italiana e della mitologia greca. Da qui nascono alcuni tra i suoi brani più riusciti, ora ispirati al mito di Narciso, ora concepiti come fossero colonne sonore realizzate in presa diretta dei dipinti di Michelangelo e Caravaggio (Life Of Merisi), oppure come rintocchi a scandire i versi della Divina Commedia, con testi impostati in forma di dialogo immaginario con lo stesso Dante (Florence è uno dei pezzi chiave nella tracklist del recente D’Angelo, non a caso registrato proprio in Italia). August presenta a Triennale Milano Teatro un live show inedito, in versione speciale per l’Italia, paese a cui l’artista rimane particolarmente legato e per il quale ha deciso di dare vita ad un senza precedenti. Un live che combina al meglio l’ispirazione classica e l’elettronica moderna per fare emergere al meglio il suo talento unico: «Dopo 26 anni - scrive August - sento improvvisamente l’urgenza di connettermi in maniera attiva con le mie radici mediterranee e con la loro cultura. Queste radici hanno sempre evocato in me le emozioni più potenti e sono sempre state presenti nel profondo, ma per troppo tempo ho cercato di nasconderle nel lavoro di composizione come qualcosa di troppo privato e personale.»

Nato ad Amburgo nel 1990, David August è uno dei più interessanti talenti emergenti nella musica elettronica. Pianista dall’età di 5 anni, dopo una serie di singoli e remix dance (2010-2014), il suo album di debutto Times è uscito nel 2013, seguito da DCXXXIXA.C. (99 Chants, 2018) e il più recente D’Angelo (PIAS, 2018). Nel frattempo, ha partecipato a Boiler Room (2014) e alle Resident Advisor Live Session (2015), oltre a dare alle stampe una serie di singoli su Ninja Tune sub-label, Counter Records (2016). Le sue collaborazioni riflettono l’ampio spettro della sua ispirazione, spaziando dai dischi con la cantante e attivista greca Sissi Rada alle performance sold-out con la Deutsches Symphonie-Orchester di Berlino, orchestra di 50 elementi. Artista ostinatamente controcorrente, i suoi live-show prendono ogni volta forme e mood differenti, lasciando al centro come una costante lo spazio per la libera improvvisazione dei musicisti. Quello di August è stato segnalato dal prestigioso Resident Advisor’s - punto di riferimento globale per il genere - tra i migliori live acts del 2014 e del 2015.

EXTRA

Oltre al palinsesto degli spettacoli, Triennale Milano Teatro propone il programma EXTRA: un calendario di attività collaterali. Incontri, laboratori e appuntamenti a stretto contatto con gli artisti sono occasioni imperdibili per scoprire il teatro e conoscere i suoi protagonisti. Per la realizzazione di questo ricco programma il teatro ha stretto collaborazioni con diversi partner, tra cui 1977 Magazine, rivista di critica musicale cinematografica online e cartacea, dallo stile fresco, diretto e approfondito, e Radio Raheem, web radio indipendente che trasmette live da una vetrina sui Navigli a Milano.