Miseria senza nobiltà
di Suzanne Daumann
Kitsch, clichés e compiacimento: non convince la prima opera buffa di Marco Tutino al suo debutto a Genova.
GENOVA, 23 febbraio 2018 - È sempre interessante assistere a una prima mondiale. Per l'opera nata questa sera, tuttavia, si può parlare di una novità un po' spuria: basata su una commedia napoletana del 1880, da cui sono stati tratti almeno due film, non è del tutto "contemporanea", essendo il compositore Marco Tutino ben noto per la sua musica definita neoromantica, che utilizza il linguaggio tonale del romanticismo storico.
I librettisti Luca Rossi et Fabio Ceresa hanno trasferito l'azione nel 1946, precisamente il 3 giugno, all'indomani del referendum fra Monarchia e Repubblica. Non è per questo che si assiste, però, a una satira politica o a un testo di una qualche profondità. Assistiamo a uno spettacolo piuttosto inutile. I testi sono di una banalità che si credeva giustamente finita con il falso sentimentalismo dei totalitarismi; la musica richiama allegramente il repertorio a cavallo fra XIX e XX secolo, sfruttando i riferimenti fino allo sfinimento, con una preferenza per lo stile di Puccini. Contrariamente a quanto avviene in Stravinskij o Sostakovic, che utilizzano la musica del passato come base per una riflessione e creano così qualcosa di nuovo, Tutino resta nella citazione scontata di luoghi comuni musicali. Tutto risulta piuttosto pesante; si potrebbe speculare a lungo, così, sui concetti di miseria e nobiltà e, in effetti, vediamo molta miseria artistica, qui, e pochissima nobiltà...
La vicenda è incentrata su una giovane coppia che desidera sposarsi. Gemma è una ballerina e il suo fidanzato Eugenio il figlio di un principe piuttosto libertino e che rivolge le sue avances anche a Gemma. Il padre di lei Gemma, Don Gaetano, vorrebbe incontrare il principe e l'invita a cena, ma questi non acconsentirebbe mai alle nozze del figlio con una ballerina. La giovane coppia convince allora il vecchio maestro di scuola di Eugenio, Felice Sciosciammocca, a impersonare il principe per la cena. Felice è disoccupato e cresce da solo il figlio, facendogli credere che la madre è partita per l'America in cerca di lavoro. In realtà questa ha ceduto alle avances del principe una sola volta, per convincerlo a trovare in cambio un lavoro al merito, e ora è la cuoca di Don Gaetano, incontra il figlioletto sulla piazza e lo conduce al suo luogo di lavoro. Quando il vero e il falso principe si incontrano a casa di Don Gaetano, tutti i nodi di sciolgono, tutto va al proprio posto, la verità viene a galla con le sue ragioni, e la famiglia è riunita.
Il primo atto si svolge in un quartiere popolare di Napoli e vediamo la gente a casa propria o che lavora nei cantieri, mentre i ragazzini giocano. I danni della guerra sono ancora visibili, la popolazione soffre fame e miseria. Il coro enumera specialità gastronomiche ormai inaccessibili. Una coppia culla un neonato, ne giunge un'altra, assai ben vestita, e, su una musica grondante sentimentalismo, si prende il bambino. Ora sappiamo che gli autori dello spettacolo non indietreggiano di fronte a nessun cliché.
Nel secondo atto, siamo nell'abitazione di Don Gaetano, dove vediamo contemporaneamente cucina e sala da pranzo. Come nel quadro precedente, questa scenografia a "casa di bambole" ha un certo fascino, benché sia convenzionale e compiacente come tutto lo spettacolo firmato per la regia da Rosetta Cucchi, per le scene da Tiziano Santi e per i costumi da Gianluca Falaschi.
L’opera era stata annunciata come buffa, tuttavia l'elemento sentimentale sovrasta nettamente sull'elemento comico. Le due gag superstiti dal testo originale sono scatenate dalla stessa molla e fanno mediamente ridere. Affinché una commedia funzioni, è necessaria una drammaturgia vivace, un tempo rapido. Niente di tutto ciò, ogni scena dura il suo tempo o più.
La compagnia di canto fatica a farsi sentire di fronte all'entusiasmo del concertatore Francesco Cilluffo. I giovani amanti, il mezzosoprano Martina Belli (Gemma) e il tenore Fabrizio Paesano (Eugenio), sono un po' affaticati nei passaggi forte. Valentina Mastrangelo (Bettina, la moglie di Felice) possiede una vcoe sopranile chiara e cristallina, ma spesso nel forte risulta un poco stridente. I baritoni se la cavano meglio, Alessandro Luongo nel ruolo di Felice Sciosciammocca è abbastanza credibile. Alfonso Antoniozzi, buffo collaudato, ruba la scena con la sua voce e la sua presenza d'attore: peccato che Don Gaetano non sia un personaggio più presente. Il basso Andrea Concetti ha interpretato il Principe di Casador, padre di Eugenio, con abbandono e finezza. Il tenore Nicola Pamio è stato credibile e spassoso nei panni del cameriere ubriaco. Il mezzosoprano Francesca Sartorato era Peppiniello, il figlio di Felice, e ha strillato con onore come richiesto.
Una serata, insomma, che mostra ancora una volta l'opera come una forma d'arte morta i cui tentativi di resurrezione equivalgono a truccare un cadavere per farlo danzare come una marionetta.
foto Bepi Caroli
Kitsch, clichés et complaisance
par Suzanne Daumann
Miseria e Nobiltà de Marco Tutino en première mondiale prouve une fois de plus que l’opéra en tant que forme d’art est morte et que les tentatives de résurrection de ce genre reviennent à maquiller un cadavre pour le faire danser comme une marionnette.
Gênes, le 23 février 2018 - Il est toujours intéressant d’assister à une première mondiale. L’opéra mis au monde ce soir, cependant, est une oeuvre un peu bâtarde. Basée sur une farce napolitaine de 1880, qui a servi de base à au moins deux films, elle n’est pas vraiment contemporaine, d’autant que le compositeur Marco Tutino est bien connu pour sa musique dite néo-romantique, qui utilise le langage tonal des courants romantiques du passé.
Les librettistes Luca Rossi et Fabio Ceresa ont transféré l’action en 1946, plus précisément le 3 juin, où a eu lieu en Italie un referendum pour déterminer si l’Italie après la Deuxième Guerre mondiale serait une monarchie ou une république. Ce n’est pas pour autant que nous assistons à une satire politique ou une oeuvre de quelque profondeur. Nous assistons au déroulement d’un spectacle plutôt inutile. Les textes sont d’une banalité que l’on croyait prohibé depuis justement le sentimentalisme des Nazis; la musique puise allègrement dans le répertoire de la fin du 19ème et le début du 20ème siècle, exploitant chaque citation jusqu’à l’épuisement, avec une préférence pour le style de Puccini. Contrairement à ce qu’ont fait des auteurs tels Stravinsky ou Shostakovich, qui utilisent la musique du passé comme base de réflexion et créent ainsi quelque chose de nouveau, Tutino reste dans la banalité de la citation des lieux communs musicaux. Tout cela est plutôt lourd; on pourrait aussi longuement spéculer sur les concepts de misère et noblesse, en effet, on voit beaucoup de misère artistique ici, et très peu de noblesse…
L’histoire raconte les amours d’un jeune couple qui voudrait se marier. Gemma est danseuse, et son fiancé Eugenio le fils d’un prince plutôt libertin qui poursuit lui-m
me Gemma de ses avances. Le père de Gemma, Don Gaëtano, voudrait rencontrer le prince et l’attend pour dîner. Celui-ci, en revanche, n’accepterait jamais le mariage entre son fils et une danseuse. Le jeune couple convainc alors l’ancien maître d’école d’Eugenio, Felice Sciosciammocca, de prendre la place du prince lors du dîner. Felice est au chômage et élève seul son fils, lui faisant croire que sa mère est partie en Amérique chercher du travail. En réalité, celle-ci a cédé aux avances du prince une seule fois, pour le convaincre de faire en sorte que son mari retrouve son travail. Maintenant, elle est la cuisinière de Don Gaëtano. Elle rencontre son fils sur la place et le ramène sur son lieu de travail. Quand le vrai prince et le faux prince se rencontrent dans la maison de Don Gaëtano, tous les fils se dénouent et renouent, la vérité rejaillit aussi sur elle et ses motivations, et la famille se trouve réunie.
L’acte I se déroule dans un quartier populaire de Naples, on voit les gens dans leurs maisons, travailler sur des chantiers, les enfants jouer… Les dégâts de la guerre sont encore visibles, le peuple vit dans la misère et la faim. Le choeur chante une énumération des spécialités culinaires désormais inaccessibles. Un couple berce son bébé, un autre couple arrive, très bien habillé, et, sur une musique dégoulinante de sentimentalité, emporte l’enfant. Maintenant, nous savons que les auteurs de ce spectacle reculent devant aucun cliché…
Pour l’acte II, nous sommes dans la maison de Don Gaëtano, où on voit simultanément la cuisine et la salle à manger. Comme au premier acte, cette scénographie de maison de poupée a un certain charme, bien qu’elle soit aussi conventionnelle et complaisante que le spectacle tout entier, signé pour la mise en scène par Rosetta Cucchi, Tiziano Santi pour les scènes et Gianluca Falaschi pour les costumes.
L’oeuvre était annoncée comme un opéra bouffe, cependant, l’élément sentimental l’emporte largement sur l’élément comique. Les deux gags sauvegardés du texte original sont basés sur le m
me ressort et ne font rire que moyennement. Pour qu’une comédie fonctionne, il faut une dramaturgie vivace, un tempo rapide. Rien de tout cela ici, chaque scène dure son temps voire plus…
La distribution a du mal à se faire entendre, face à l’enthousiasme du chef d’orchestre Francesco Cilluffo. Les jeunes amants, la mezzo-soprano Martina Belli (Gemma) et le ténor Fabrizio Paesano (Eugenio), sont un peu surmenés dans les passages forte. Valentina Mastrangelo a une voix de soprano claire et cristalline, cependant, dans les passages forte, elle est souvent un peu stridente. Les barytons s’en sortent mieux, Alessandro Luongo dans le rôle de Felice Sciosciammocca est assez crédible. Alfonso Antoniozzi, basse comique expérimentée, vole la scène grâce à sa voix et sa présence scénique. Dommage que Don Gaëtano ne soit pas un personnage plus présent. Andrea Concetti, basse, jouait le Prince de Casador, père de Eugenio, avec finesse and abandon. Le ténor Nicola Pamio était crédible et même un peu drôle dans le rôle du valet ivre. La mezzo-soprano Francesca Sartorato a joué Peppiniello, le fils de Felice, et a crié ses lignes très honorablement.
Une soirée, en somme, qui prouve une fois de plus que l’opéra en tant que forme d’art est morte et que les tentatives de résurrection de ce genre reviennent à maquiller un cadavre pour le faire danser comme une marionnette.
foto Bepi Caroli
Kitsch, clichés, complacency
by Suzanne Daumann
The world premiere of Marco Tutino’s Miseria e Nobiltà proved once more that opera as an art form is dead, and that trying to revive it this way is paramount to smearing make-up on a dead body and making it dance like a puppet
It is always interesting to be there for the first performance of a contemporary work. The opera that was born tonight, however, was a somewhat bastardly child. Based on a Neapolitan farce from 1880 which has been made into at least two movies already, the libretto was not exactly contemporary, and Marco Tutino is well known for his neo-romantic music that uses the tonal language of the romantic movements of the past.
Librettists Luca Rossi and Fabio Ceresa transferred the action to the third of June 1946. On that day, Italy voted a referendum to determine if the country was to be a monarchy or a republic. By no means did this mean that we were to assist a political satire or a work of some depth. We were to assist the unfolding of a rather pathetic spectacle. The texts displayed a banality that we thought banned since the Nazi sentimentalism; the music was freely borrowing from the late 19th and early 20th century repertoire, squeezing every quote and theme until its total exhaustion, with a marked preference for the style of Puccini. Unlike composers such as Stravinsky or Shostakovich, who used the music of the past as food for thought and ultimately created something new, Tutino sticks to citing musical banalities. All this was rather heavy; one was also tempted to contemplate the concepts of misery and nobility in the light of what we saw and heard: lots of artistic misery here and little nobility…
The story is about a young couple who want to get married. Gemma is a dancer and her fiance Eugenio is the son of a somewhat libertine prince who runs after Gemma himself. Gemma’s father, Don Gaetano, would like to meet the prince and expects him for dinner. The prince, however, will never accept what he considers a mis-marriage for his son. The lovers convince Eugenio’s former schoolmaster, Felice Sciosciammocca, to impersonate the prince at the dinner party. Felice is out of work and raises alone his son, making him believe that his mother has gone to America in search of work. In truth, she has given in to the prince’s pursuit just once, in order to make him reinstate Felice in his job. Now she is Don Gaetano’s cook. She has met her son on the square and takes him with her to the workplace. When the true and the false prince meet, the truth will unfold also about her and her motivations and the family will be reunited.
The first act was played out in a poor quarter of Naples; we saw people in their houses, working on building sites, children playing… The destructions of the war were still visible and the people were miserable and hungry. The choir was singing an enumeration of culinary specialties, now unavailable. In the background, a young couple were cradling their baby, another couple arrived, obviously rich and well-dressed, and took the baby away. Now, we were certain that the authors of this show were shying away from no cliché…
For Act II, we found ourselves in the mansion of Don Gaetano, where we could see at the same time the kitchen and the dining room. Just like in Act I, this dollhouse-like scenography was quite charming, even though it was just as conventional and self-complacent as the whole show, directed by Rosetta Cucchi with Tiziano Santi (stage designer) and Gianluca Falaschi (costume designer).
The work had been announced as an opera buffa, but the sentimental element was largely overrepresented; the two jokes that survived from the original farce used exactly the same schema and drew only very moderate laughs. For a comedy to function, it needs a vivacious dramaturgy and a fast tempo. Here, every scene took its time and more…
The cast had some difficulty to be heard, Francesco Cilluffo conducted very enthusiastically.
The young lovers, mezzo-soprano Martina Belli (Gemma) and tenor Fabrizio Paesano (Eugenio), were a bit strained in the forte passages. Valentina Mastrangelo, Bettina, had a sweet and cristalline soprano, a bit shrill in the forte however. The baritones were better off: Alessandro Luongo as Felice Scisciammocca was quite credible, Alfonso Antoniozzi was Don Gaetano and almost stole the scene thanks to his warm and powerful voice and strong stage presence. A pity that Don Gaetano didn’t have to be more present. Andrea Concetti, bass, played the Prince of Casador, Eugenio’s father, with finesse and abandon. Tenor Nicola Pamio was credible and even a bit funny in the role of the drunken valet. Mezzo-soprano Francesca Sartorato played Pepiniello, Felice’s son, and brayed her lines very creditably.
All in all, it was an evening that proved once more that opera as an art form is dead, and that trying to revive it this way is paramount to smearing make-up on a dead body and making it dance like a puppet.
foto Bepi Caroli
