Mito in bianco e nero
La ripresa dello spettacolo di Carsen con la direzione di Robert Ticciati e un cast di tutto rispetto conferma il successo alla Bayerische Staatsoper.
MONACO DI BAVIERA, 16 ottobre 2026 - Nella mitologia — proprio come nell’opera barocca — capita che una contesa all’interno del mondo divino determini il destino degli esseri umani quaggiù. Hugo von Hofmannsthal ha ribaltato la prospettiva: il suo libretto si apre con una disputa tra mortali, che determina il destino di personaggi fittizi che si muovono in un universo onirico. A casa di un ricco mecenate, ci si appresta a mettere in scena la prima dell’opera Arianna a Nasso, composta da un giovane musicista, seguita da un’opera buffa che vede protagonisti Zerbinetta e le sue vicende amorose. Tuttavia, il padrone di casa ha deciso che desidera vedere e ascoltare entrambe le opere contemporaneamente. Si giunge così a un compromesso: Arianna andrà in scena per prima, e la compagnia comica dovrà integrarsi nella rappresentazione. È così che scopriamo innanzitutto Arianna, che lamenta la propria sorte: è stata abbandonata dal suo amante Teseo su un’isola deserta. Zerbinetta fa la sua comparsa, le tiene un discorso sulla fondatezza — o sull’assurdità — della monogamia, poi indica un prescelto tra la sua schiera di ammiratori. Quanto ad Arianna, trova un nuovo amante nella persona del dio Bacco. E vissero felici e contenti.
Richard Strauss ha tradotto tutto questo in musica con una meravigliosa varietà, che spazia da un carattere popolare e leggero ad arie di grande intensità drammatica. La regia di Robert Carsen, creata nel 2008, traspone questa ricchezza in immagini e movimenti con perfetta precisione. La danza occupa un posto centrale: ogni azione sul palcoscenico prolunga fisicamente la musica, mentre i danzatori e le danzatrici del Balletto di Stato arricchiscono la trama in modo pertinente. La scenografia di Peter Pabst e i costumi di Falk Bauer sono tanto semplici quanto efficaci: ci troviamo inizialmente in uno studio di danza dove, mentre il pubblico prende posto, un gruppo di ballerini prova un numero. Il direttore d’orchestra fa il suo ingresso con discrezione, senza applausi; un’introduzione, in parte recitata e in parte cantata, prepara il terreno, e ha inizio l’azione vera e propria. L’insieme è variegato, a tratti comico e a tratti drammatico, sostenuto da una compagnia meravigliosa e dalla direzione ricca di finezza e leggerezza di Robin Ticciati. I due ruoli femminili principali, molto impegnativi, sono interpretati alla perfezione: Anja Kampe incarna la Prima Donna/Ariane, mentre Sabine Devieilhe interpreta Zerbinetta. L’una, drammatica e wagneriana; l’altra, vivace e spiritosa: insieme incarnano meravigliosamente la doppia natura, ricca di sfumature, dell’opera. Anche gli altri ruoli sono distribuiti in modo eccellente: Irene Roberts come Compositore; la troupe buffa, allegra e maliziosa, di cui fanno parte Konstantin Krimmel (Arlecchino), Joel Williams (Scaramuccia), Paweł Horodydski (Truffaldino) e Lucas van Lierop (Brighella); nonché il trio femminile formato da Naiade (Sarah Dufresne), Driade (Emily Sierra) ed Eco (Eirin Rognerud). Senza dimenticare il formidabile tenore Brian Jagde, che si sente brevemente nel Prologo e che fa la sua grande entrata in scena solo nel finale, nei panni di Bacco. Il team di regia ha concepito questo finale in modo magistrale: l’unico atto dell’opera vera e propria è interamente dominato dal nero. Il palcoscenico è nero, le donne indossano abiti neri, gli uomini costumi neri — o, nel caso del seguito di Zerbinetta, pantaloncini neri e poco altro. Unico tocco di colore: le scarpe rosse di Zerbinetta. Poi, dietro Ariadne appare una scia di luce bianca; si allarga progressivamente, finché Ariadne e Bacco non sono più visibili se non come sagome, mentre interpretano un duetto d’amore struggente. La fusione di queste due voci è semplicemente meravigliosa e commovente.
Vivi applausi per l’intero cast e per una serata operistica avvincente e memorabile.
Le mythe en noir et blanc
par Susanne Krekel
Munich, 16 octobre 2026 - Dans la mythologie — tout comme dans l’opéra baroque — il arrive qu’une querelle au sein du monde divin scelle le destin des humains ici-bas. Hugo von Hofmannsthal a inversé la perspective : son livret s’ouvre sur une dispute entre mortels, laquelle détermine le sort de personnages fictifs évoluant dans un univers onirique. Chez un riche mécène, on s’apprête à donner la création de l’opéra « Ariane à Naxos », composé par un jeune musicien, suivie d’une opera buffa mettant en scène Zerbinetta et ses amants infidèles. Or, le maître des lieux a décidé qu’il souhaitait voir et entendre les deux œuvres simultanément. On parvient alors à un compromis : Ariane se produira en premier, et la troupe comique devra s’y intégrer. C’est ainsi que nous découvrons d’abord Ariane, déplorant son sort : elle a été abandonnée par son amant Thésée sur une île déserte. Zerbinetta survient, lui tient un discours sur le bien-fondé — ou l’absurdité — de la monogamie, puis choisit un élu parmi sa cour d’admirateurs. Quant à Ariane, elle trouve un nouvel amant en la personne du dieu Bacchus. Et ils vécurent heureux…
Richard Strauss a traduit tout cela en musique avec une merveilleuse variété, allant de tonalités populaires légères aux airs d’une grande intensité dramatique. La mise en scène de Robert Carsen, créée en 2008, transpose cette richesse en images et en mouvements avec une parfaite justesse. La danse y occupe une place centrale : chaque action sur scène prolonge physiquement la musique, tandis que les danseurs et danseuses du Ballet d’État enrichissent l’intrigue de manière pertinente. Le décor de Peter Pabst et les costumes de Falk Bauer sont aussi simples qu'efficaces : nous sommes d'abord dans un studio de danse où, tandis que le public prend place, un groupe de danseurs répète une pièce. Le chef d'orchestre fait son entrée discrètement, sans applaudissements ; une introduction, mi-parlée mi-chantée, plante le décor, et l'action proprement dite commence. L'ensemble est varié, tour à tour comique et dramatique, porté par une troupe merveilleuse et la direction tout en finesse et en légèreté de Robin Ticciati. Les deux rôles féminins principaux, exigeants, sont distribués à la perfection : Anja Kampe incarne la Prima Donna/Ariane, tandis que Sabine Devieilhe campe Zerbinette. L'une, dramatique et wagnérienne ; l'autre, vive et pleine d'esprit : ensemble, elles incarnent à merveille la double nature, tout en nuances, de l'œuvre. Les autres rôles sont tout aussi excellemment distribués : Irene Roberts dans le rôle du Compositeur ; la troupe bouffonne, joyeuse et espiègle, composée de Konstantin Krimmel (Arlequin), Joel Williams (Scaramouche), Paweł Horodydski (Truffaldin) et Lucas van Lierop (Brighella) ; ainsi que le trio féminin formé par Naïade (Sarah Dufresne), Dryade (Emily Sierra) et Écho (Eirin Rognerud). Sans oublier le formidable ténor Brian Jagde, que l'on n'entend que brièvement dans le Prologue et qui ne fait sa grande apparition qu'au moment du finale, dans le rôle de Bacchus. L'équipe de mise en scène a conçu ce finale de manière magistrale : l'acte unique de l'opéra proprement dit est entièrement dominé par le noir. Le plateau est noir, les femmes portent des robes noires, les hommes des costumes noirs — ou, dans le cas de la suite de Zerbinette, des shorts noirs et guère plus. Seule touche de couleur : les chaussures rouges de Zerbinette. Puis, une traînée de lumière blanche apparaît derrière Ariane ; elle s'élargit progressivement, jusqu'à ce qu'Ariane et Bacchus ne soient plus visibles que sous forme de silhouettes, tout en interprétant un duo d'amour poignant. La fusion de ces deux voix est tout simplement merveilleuse et émouvante.
Vifs applaudissements pour toute la troupe ; merci pour cette soirée d'opéra captivante et mémorable.
The myth in black and white
Munich, October 16, 2026 - In mythology—as well as in Baroque opera—a dispute among the gods often determines the fates of mortals below. Hugo von Hofmannsthal reversed this dynamic: his libretto begins with a conflict among humans, which in turn dictates the destiny of fictional characters in a realm of pure fantasy. A wealthy patron has commissioned the premiere of an opera, "Ariadne auf Naxos," by a young composer, to be followed by an *opera buffa* centered on Zerbinetta and her unfaithful lovers. However, the master of the house decides he wishes to see and hear both works simultaneously. A compromise is reached: Ariadne will perform first, and the *buffa* troupe will simply have to fit themselves into the proceedings. Thus, we first encounter Ariadne, lamenting her fate—abandoned by her lover, Theseus, on a deserted island. Zerbinetta arrives, delivers a discourse on the merits—or lack thereof—of monogamy, and proceeds to select a new partner from her retinue of admirers. As for Ariadne, she finds a new lover: the god Bacchus. And they lived happily ever after…
Richard Strauss’s score is wonderfully varied, encompassing everything from light, folk-inspired melodies to highly dramatic arias. Robert Carsen’s 2008 production translates this brilliantly into imagery and movement. There is a great deal of dancing; every action on stage serves as a physical extension of the music, with the dancers of the State Ballet providing a meaningful enhancement to the unfolding narrative. Peter Pabst’s set design and Falk Bauer’s costumes are as simple as they are effective: we begin in a dance studio, where, even as the audience is still taking their seats, a group of dancers is rehearsing a piece. The conductor appears unobtrusively—without any applause—and a sequence that is half-spoken, half-sung sets the scene, leading into the action proper. The performance is full of variety—by turns comic and dramatic—sustained by a wonderful ensemble and the delicate, light-footed conducting of Robin Ticciati. The two demanding female lead roles are cast to perfection: Anja Kampe as the Primadonna/Ariadne and Sabine Devieilhe as Zerbinetta. One brings a Wagnerian, dramatic intensity, the other a witty, sparkling energy; together, they embody the very essence of the work’s multifaceted charm. The rest of the cast is equally outstanding, including Irene Roberts as the Composer; the cheerful, playful troupe of *commedia dell’arte* characters—Konstantin Krimmel (Harlequin), Joel Williams (Scaramuccio), Paweł Horodydski (Truffaldino), and Lucas van Lierop (Brighella)—and a trio of nymphs consisting of Najade (Sarah Dufresne), Dryade (Emily Sierra), and Echo (Eirin Rognerud). Then there is the magnificent tenor Brian Jagde, who makes only a brief appearance in the prologue, saving his major entrance for the finale. The production team has crafted this finale brilliantly: the single act of the opera itself is staged entirely in black—the set is black, the women wear black dresses, the men wear black suits (or, in the case of Zerbinetta’s entourage, black shorts and little else)—with Zerbinetta’s red shoes serving as the only splash of color. Then, a streak of white light appears behind Ariadne, gradually widening until Ariadne and Bacchus are visible only as silhouettes, singing a poignant love duet. It is truly wonderful and moving to hear how their two voices merge.
Great applause for everyone; we are grateful for an engaging and impressive evening at the opera.